IN THE SPIRIT OF FLUXUS Exhibición Internacional de Fluxfilmes
del 29 de octubre al 20 de diciembre de 2020
IN THE SPIRIT OF FLUXUS
Curaduría de Silvio De Gracia
Fernando Baena / Mary Campbell / Bartolomé Ferrando / Aarón Flores / Barbara Friedman / Isabel León / Ana Montenegro / Chiara Mulas / Mónica Mura / Michael Orr & Michael Orr / Malvina Sammarone / Yaryna Shumska / The Kinsinas (Tammy Kinsey & Jean Kusina)
IN THE SPIRIT OF FLUXUS
Exhibición internacional de fluxfilmes
CONTINUIDAD DE LA EXPLORACIÓN SUBVERSIVA DEL CINE FLUXUS
A partir de la década de los sesenta, el laboratorio de experimentación que representa Fluxus marca un cambio de paradigma de las artes, posibilitando el nacimiento de formas clave del arte contemporáneo, como arte conceptual, instalación, performance, intermedia y video. Dentro del vasto programa explorativo que Georges Maciunas imprime al movimiento, los fluxfilms, las experimentaciones subversivas con el código cinematográfico, adquieren especial relevancia en relación con la historia y la evolución de las propuestas de Fluxus.
Los fluxfilms (unas cuarenta películas, la mayoría en blanco y negro) dan cuenta de la fuerte conexión entre las intervenciones culturales de Fluxus y las raíces populares del cine, atendiendo al papel central del humor en ambos proyectos. Es sabido que el gusto de Maciunas por el humor se basa, al menos en parte, en modelos cinemáticos antiguos, como los espectáculos más populares de Walt Disney y las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton. Fluxus encuentra en las comedias mudas una forma de sensibilidad antisocial y antiburguesa, que se manifiesta en el humor físico, la caricatura, las bromas visuales y la parodia.
Como afirma Bruce Jenkins, existen dos tipos de cine Fluxus : « uno que consiste en cuarenta y tantos cortos, la mayoría realizados a mediados de los sesenta ; el otro, potencialmente abierto, que comprende prácticamente cualquier filme que se aborde con mentalidad Fluxus ».
IN THE SPIRIT OF FLUXUS se inscribe en la segunda de las categorías que Jenkins señala, proponiendo una aproximación actual, desde el lenguaje del video, a la exploración de las poéticas de Fluxus en el campo de la imagen en movimiento. Así, presenta un cuerpo de obras videográficas que revelan una continuidad con el proyecto radical de Fluxus, interpelando al espectador desde la mirada paródica, el ejercicio lúdico, el absurdo, y el aprovechamiento estético de lo cotidiano.
Silvio De Gracia.
Exhibición internacional de fluxfilmes
CONTINUIDAD DE LA EXPLORACIÓN SUBVERSIVA DEL CINE FLUXUS
A partir de la década de los sesenta, el laboratorio de experimentación que representa Fluxus marca un cambio de paradigma de las artes, posibilitando el nacimiento de formas clave del arte contemporáneo, como arte conceptual, instalación, performance, intermedia y video. Dentro del vasto programa explorativo que Georges Maciunas imprime al movimiento, los fluxfilms, las experimentaciones subversivas con el código cinematográfico, adquieren especial relevancia en relación con la historia y la evolución de las propuestas de Fluxus.
Los fluxfilms (unas cuarenta películas, la mayoría en blanco y negro) dan cuenta de la fuerte conexión entre las intervenciones culturales de Fluxus y las raíces populares del cine, atendiendo al papel central del humor en ambos proyectos. Es sabido que el gusto de Maciunas por el humor se basa, al menos en parte, en modelos cinemáticos antiguos, como los espectáculos más populares de Walt Disney y las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton. Fluxus encuentra en las comedias mudas una forma de sensibilidad antisocial y antiburguesa, que se manifiesta en el humor físico, la caricatura, las bromas visuales y la parodia.
Como afirma Bruce Jenkins, existen dos tipos de cine Fluxus : « uno que consiste en cuarenta y tantos cortos, la mayoría realizados a mediados de los sesenta ; el otro, potencialmente abierto, que comprende prácticamente cualquier filme que se aborde con mentalidad Fluxus ».
IN THE SPIRIT OF FLUXUS se inscribe en la segunda de las categorías que Jenkins señala, proponiendo una aproximación actual, desde el lenguaje del video, a la exploración de las poéticas de Fluxus en el campo de la imagen en movimiento. Así, presenta un cuerpo de obras videográficas que revelan una continuidad con el proyecto radical de Fluxus, interpelando al espectador desde la mirada paródica, el ejercicio lúdico, el absurdo, y el aprovechamiento estético de lo cotidiano.
Silvio De Gracia.
LA POESÍA EN LA BOCA Exhibición Internacional de Mascarillas de Poesía Visual
del 29 de octubre al 20 de diciembre de 2020
del 29 de octubre al 20 de diciembre de 2020
LA POESÍA EN LA BOCA
Curaduría de Silvio De Gracia y Ana Montenegro
PARTICIPANTES
Fernando Aguiar / Almandrade / Marcio Almeida / John M. Bennett / József Biró / Julien Blaine / Alejandra Bocquel / Paulo Bruscky / J.M. Calleja / Antonio Cares / Débora Daich / Guillermo Deisler / Bartolomé Ferrando / Luc Fierens / Aarón Flores / Roberto Keppler / Silvia Lissa / Ruggero Maggi / Claudio Mangifesta / Norberto José Martínez / Daniela Mastrandrea / Sérgio Monteiro de Almeida / Jürgen O. Olbrich / Hilda Paz / Hugo Pontes / Tulio Restrepo / José Rufino / Alejandro Thornton / Gustavo Vega / Hugo Vidal
LA POESÍA EN LA BOCA
En el contexto distópico generado por el Covid-19, cuyas máximas imposiciones sobre nuestra soberanía personal han sido el distanciamiento social preventivo y el confinamiento obligatorio, toda la normalidad de nuestras vidas se ha eclipsado y ha sido reemplazada por un escenario de profunda irrealidad. La experiencia de una existencia mermada, replegada sobre el interior de nuestros hogares, se ha profundizado hasta llegar al ocultamiento de nuestro propio rostro. Entre los protocolos de supervivencia, la utilización de mascarillas de protección desnuda la perturbadora paradoja de tener que cuidarnos velando parte de nuestro rostro, arriesgándonos a la uniformidad y a no reconocernos en el espejo.
El enmascaramiento no deja salir la voz y la respiración con facilidad, nos vuelve irreconocibles al eliminar el gesto y la sonrisa. La boca tapada remite al embozamiento, al silenciamiento de la voz y la palabra.
HOTEL DADA propone resignificar las mascarillas de protección, convirtiendo el exiguo espacio en blanco de la máscara en soporte de un poema visual. En esta propuesta, la poesía, con su potencial subversivo, se instala en la boca con la fuerza de una imagen que individualiza y transgrede la asepsia sanitaria por vía de la apropiación estética.
Silvio De Gracia.
POETRY IN THE MOUTH
In the dystopian context generated by Covid-19, whose maximum impositions on our personal sovereignty have been preventive social distancing and compulsory confinement, all the normality of our lives has been eclipsed and has been replaced by a scenario of profound unreality. The experience of a diminished existence, folded into the interior of our homes, has deepened until it reaches the concealment of our own face. Among survival protocols, the use of protective masks uncovers the disturbing paradox of having to take care of ourselves by veiling part of our face, risking uniformity and not recognizing ourselves in the mirror.
The masking does not let out the voice and the breath easily, it makes us unrecognizable by eliminating the gesture and the smile. The covered mouth refers to the muffling, the silence of the voice and the word.
HOTEL DADA proposes to re-signify the protection masks, turning the meager blank space of the mask into a support for a visual poem. In this proposal, poetry, with its subversive potential, is installed in the mouth with the force of an image that individualizes and transgresses sanitary asepsis by means of aesthetic appropriation.
Silvio De Gracia.
En el contexto distópico generado por el Covid-19, cuyas máximas imposiciones sobre nuestra soberanía personal han sido el distanciamiento social preventivo y el confinamiento obligatorio, toda la normalidad de nuestras vidas se ha eclipsado y ha sido reemplazada por un escenario de profunda irrealidad. La experiencia de una existencia mermada, replegada sobre el interior de nuestros hogares, se ha profundizado hasta llegar al ocultamiento de nuestro propio rostro. Entre los protocolos de supervivencia, la utilización de mascarillas de protección desnuda la perturbadora paradoja de tener que cuidarnos velando parte de nuestro rostro, arriesgándonos a la uniformidad y a no reconocernos en el espejo.
El enmascaramiento no deja salir la voz y la respiración con facilidad, nos vuelve irreconocibles al eliminar el gesto y la sonrisa. La boca tapada remite al embozamiento, al silenciamiento de la voz y la palabra.
HOTEL DADA propone resignificar las mascarillas de protección, convirtiendo el exiguo espacio en blanco de la máscara en soporte de un poema visual. En esta propuesta, la poesía, con su potencial subversivo, se instala en la boca con la fuerza de una imagen que individualiza y transgrede la asepsia sanitaria por vía de la apropiación estética.
Silvio De Gracia.
POETRY IN THE MOUTH
In the dystopian context generated by Covid-19, whose maximum impositions on our personal sovereignty have been preventive social distancing and compulsory confinement, all the normality of our lives has been eclipsed and has been replaced by a scenario of profound unreality. The experience of a diminished existence, folded into the interior of our homes, has deepened until it reaches the concealment of our own face. Among survival protocols, the use of protective masks uncovers the disturbing paradox of having to take care of ourselves by veiling part of our face, risking uniformity and not recognizing ourselves in the mirror.
The masking does not let out the voice and the breath easily, it makes us unrecognizable by eliminating the gesture and the smile. The covered mouth refers to the muffling, the silence of the voice and the word.
HOTEL DADA proposes to re-signify the protection masks, turning the meager blank space of the mask into a support for a visual poem. In this proposal, poetry, with its subversive potential, is installed in the mouth with the force of an image that individualizes and transgresses sanitary asepsis by means of aesthetic appropriation.
Silvio De Gracia.
LA NADA Una declaración
del 23 de abril al 3 de julio de 2020
del 23 de abril al 3 de julio de 2020
LA NADA una declaración
En abril de 1958, el neodadaísta Yves Klein inaugura en la Galería Iris Clert su exposición La spécialisation de la sensibilité à l’état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide–époque pneumatique (La especialización de la sensibilidad en su estado puro en la sensibilidad pictórica estabilizada, el Vacío-época pneumática), en la que el espacio vacío de la galería es presentado como protagonista exclusivo. En 1967, el grupo Art & Language presenta en el Castillo de Montsoreau, Francia, una instalación titulada Air-Conditioning Show (o Air Show), en la que no se expone nada sino el espacio museal mismo y, en este caso, el sistema de regulación térmica, produciendo un cierto volumen de aire condicionado. En Argentina, la artista conceptual Graciela Carnevale realiza en 1968 su Acción del Encierro, en la que convoca para una exposición en una galería vacía y una vez que el público ha ingresado cierra las puertas del local y se retira. Por su parte, durante el mismo año, el poeta experimental y mailartista Edgardo Antonio Vigo no publica el número 26 de su revista Diagonal Cero por estar dedicado a la nada.
Todas estas operaciones revelan un fuerte carácter paradójico, en tanto tratan de presentar de manera sensible aquello que escapa a la percepción: el vacío, la nada. Se trata de propuestas en las que la actividad artística se reduce a un campo puramente conceptual, y donde el ojo deviene en órgano frustrado, desprovisto de toda incitación visual para ser mejor solicitado hacia zonas de activación mental. Diversas tentativas contemporáneas continúan en la trayectoria de estas investigaciones en torno a una visualidad amputada, que se apuntala en las metáforas de lo blanco, lo vacío o el silencio, que se constituyen todas en apelaciones a la nada.
La actual exhibición en la galería Hotel Dada consiste en una sala vacía. Signo de la nada, la sala privada de los sentidos que se supone deben ser ofrecidos al espectador, se configura como un acto crítico, una declaración que es afirmada y no una carencia. La galería exhibe el vacío, y al hacerlo visibiliza una negación, un apagamiento. Si el objeto desaparece, lo único que queda accesible para la mirada es el propio acontecimiento de su disolución deliberada. Como no existe obra visible, el ojo se desplaza hacia la propia galería, que se convierte así en obra.
En el contexto del virus Covid-19, la dimensión conceptual de esta exhibición se complejiza y se expande, porque a la sustracción de lo visual que representa la sala vacía le replica la inquietante remisión de los cuerpos, la ausencia imperativa del espectador.
Silvio De Gracia, 18 de abril de 2020
| la-nada_-_una_declaracion_fin.mp4 |
TALKING ABOUT NOTHING / MAKING NOTHING
Curaduría de Silvio De Gracia
En asociación con la plataforma VIDEOPLAY, HOTEL DADA produjo un proyecto curatorial dedicado a la video-experimentación sobre el concepto de la nada. Alrededor de 40 artistas internacionales fueron invitados a hacer un video de un minuto explorando su visión particular sobre el tema TALKING ABOUT NOTHING / MAKING NOTHING. En el contexto de la pandemia de Covid-19, este proyecto, desarrollado entre el 1 de mayo y el 30 de junio, tuvo como objetivo romper con la apatía y la inactividad de los artistas y mantener un impulso creativo en el campo del videoarte. La compilación muestra muchos enfoques diferentes sobre el tema, incluyendo videoacciones, visiones poéticas, videoarte y una fuerte presencia del cuerpo.
In association with the VIDEOPLAY platform, HOTEL DADA produced a curatorial project dedicated to video-experimentation on the concept of nothingness. Around 40 international artists were invited to make a one-minute video exploring their particular vision on the topic TALKING ABOUT NOTHING / MAKING NOTHING. In the context of the Covid-19 pandemic, this project, developed between May 1 and June 30, aimed to break with the apathy and inactivity of artists and maintain a creative impulse in the field of video art. The compilation shows many different approaches to the subject, including video actions, poetic visions, video art, and a strong presence of the body.
PARTICIPANTS:
MARCIO ALMEIDA Brazil / FERNANDO BAENA Spain / JÓZSEF BÍRÓ Hungary / NENAD BOGDANOVIC Serbia / NIEVES CORREA Y ABEL LOUREDA Spain / MARIO GUTIÉRREZ CRU Spain / ALBERTO COURATIER Chile / GUILLERMO DAGHERO Argentina / DEBORA DAICH Argentina / AARÓN FLORES Mexico / MARINA FOMENKO Russia / BARBARA FRIEDMAN France / PICASSO GAGLIONE USA / CARLOS GALLARDO Chile / ROBERTO KEPPLER Brazil / ISABEL LEÓN Spain / MAURIZIO MANCIOLI Italy/Brazil / CLAUDIO MANGIFESTA Argentina / NORBERTO JOSÉ MARTÍNEZ Argentina / CARLOS MÉLO Brazil / ENZO MINARELLI Italy / ANA MONTENEGRO Brazil/Argentina / MONTENEGRO-FISHER Chile/UK / CHIARA MULAS Italy / MONICA MURA Italy, BIBIANA PADILLA MALTOS USA / DARIJA RADAKOVIC Bosnia & Herzegovina / TULIO RESTREPO Colombia / RICARDO RODRÍGUEZ GÓMEZ & ANDRÉS D. ABREU Cuba / MALVINA SAMMARONE Brazil / JACK SEIEI Japan / YARYNA SHUMSKA Ukraine / MAURICIO SILVA Brazil/France / DANI SPADOTTO Brazil / ALEJANDRO THORNTON Argentina / MARTINE VIALE Canada + INFO http://www.videoplay-platform.com/news.html
ENCUENTROS VIRTUALES CON ISABEL LEÓN Y MONTENEGRO-FISHER
CONFERENCIA ONLINE DEL CURADOR INVITADO JUAN-RAMÓN BARBANCHO
En el marco de la exposición LA NADA Una declaración, HOTEL DADA propuso una serie de reuniones virtuales con artistas participantes del proyecto y una conferencia sobre El arte y el vacío a cargo del curador invitado Juan-Ramón Barbancho.
Within the framework of the exhibition LA NADA Una declaration, HOTEL DADA proposed a series of virtual meetings with artists participating in the project and a conference on Art and the Void by guest curator Juan-Ramón Barbancho.
SELLOS MARGINALES Exhibición Internacional de Sellos de Goma
del 23 de enero al 26 de febrero de 2020
SELLOS MARGINALES
Curaduría de Silvio De Gracia
ALEMANIA: Thorsten Fuhrmann / Klaus Groh / Annegret Heinl / Jürgen Olbrich / Lars Schumacher / Susanne Schumacher / Horst Tress / ARGENTINA: HOTEL DADA / Norberto José Martínez / Samuel Montalvetti / Ana Montenegro / Hilda Paz / Marcela Peral / Viviana Sasso / Calixto Saucedo / Hugo Vidal / BÉLGICA: Luc Fierens / BRASIL: Paulo Bruscky / Roberto Keppler / Hugo Pontes / José Rufino / COLOMBIA: Tulio Restrepo / ESPAÑA: Fausto Grossi / César Reglero / Pere Sousa / FRANCIA: Richard Baudet / Pascal Lenoir / HUNGRÍA: József Bíró / ITALIA: Vittore Baroni / Pier Roberto Bassi / Serse Luigetti / Ruggero Maggi / Renata y Giovanni Strada / JAPÓN : Ryosuke Cohen / Keichi Nakamura / SERBIA: Dobrica Kamperelic / SUIZA: Heini Gut / TURQUÍA: Emel Sezer / URUGUAY: Clemente Padín / USA: Darlene Domel / Picasso Gaglione / Rosalie Gancie / John Held / Leroy.land / The Sticker Dude /
SELLOS MARGINALES
Desvíos y operaciones conceptuales en el arte de sellos de goma
Uno de los aspectos más inquietantes de los sellos de goma es que siempre han tenido una función regulatoria en el entramado de nuestra realidad. Como accesorios indispensables en el ejercicio burocrático y oficinesco, constituyen un símbolo de poder en tanto permiten validar o invalidar alguna cosa. Los sellos oficiales siempre están vinculados con la autoridad y la validación de licencias, certificados y pasaportes; así es como somos reconocidos y aprobados.
La apropiación de los sellos de goma como medio artístico se inicia en un contexto histórico donde la influencia determinante de Duchamp y sus ready made, posibilita el redescubrimiento y la resignificación de los objetos cotidianos. Es el artista dadá Kurt Schwitters el primero en agregar impresiones de sellos de goma a sus trabajos de collage y libros, liberándolos de su función original y dotándolos de una cualidad estética desconocida. Pero no es hasta el advenimiento del Neo-dadá, y su posterior prolongación en movimientos como el Nouveau Réalisme, Fluxus y la New York Correspondance School de Ray Johnson, que la utilización de los sellos de goma se expande fuertemente en el ámbito artístico.
El cuerpo de obras que se presentan en esta exposición, donde se conjugan representantes históricos y actuales, da cuenta de diversas tendencias en la utilización artística del sello de goma, que incluyen propuestas vinculadas al arte correo, el conceptualismo, las revistas ensambladas y la poesía experimental, entre otras. Su densidad estética, en todo caso, no radica tanto en las proposiciones formales desplegadas, sino en la potencia crítica para apuntalar discursos y mensajes alternativos desde una marginalidad operativa y comunicacional que las convierte en dispositivos de descalce y subversión.
Silvio De Gracia, 17 de enero de 2020.
Desvíos y operaciones conceptuales en el arte de sellos de goma
Uno de los aspectos más inquietantes de los sellos de goma es que siempre han tenido una función regulatoria en el entramado de nuestra realidad. Como accesorios indispensables en el ejercicio burocrático y oficinesco, constituyen un símbolo de poder en tanto permiten validar o invalidar alguna cosa. Los sellos oficiales siempre están vinculados con la autoridad y la validación de licencias, certificados y pasaportes; así es como somos reconocidos y aprobados.
La apropiación de los sellos de goma como medio artístico se inicia en un contexto histórico donde la influencia determinante de Duchamp y sus ready made, posibilita el redescubrimiento y la resignificación de los objetos cotidianos. Es el artista dadá Kurt Schwitters el primero en agregar impresiones de sellos de goma a sus trabajos de collage y libros, liberándolos de su función original y dotándolos de una cualidad estética desconocida. Pero no es hasta el advenimiento del Neo-dadá, y su posterior prolongación en movimientos como el Nouveau Réalisme, Fluxus y la New York Correspondance School de Ray Johnson, que la utilización de los sellos de goma se expande fuertemente en el ámbito artístico.
El cuerpo de obras que se presentan en esta exposición, donde se conjugan representantes históricos y actuales, da cuenta de diversas tendencias en la utilización artística del sello de goma, que incluyen propuestas vinculadas al arte correo, el conceptualismo, las revistas ensambladas y la poesía experimental, entre otras. Su densidad estética, en todo caso, no radica tanto en las proposiciones formales desplegadas, sino en la potencia crítica para apuntalar discursos y mensajes alternativos desde una marginalidad operativa y comunicacional que las convierte en dispositivos de descalce y subversión.
Silvio De Gracia, 17 de enero de 2020.
| sellos-marginales-catalogo.pdf |
