PRESENTACIÓN DE LIBRO DE ARTISTA. OBJETO DE SÍ MISMO.
MESA DE CONVERSACIÓN JUNTO A MATILDE MARÍN Y NATALIA SILBERLEIB.
Sábado 11 de noviembre de 2023
La reconocida artista argentina Matilde Marín presentó su nuevo libro titulado Libro de Artista. Objeto de sí mismo, obra realizada en colaboración con Natalia Silberleib. Se trata de un volumen que aporta información y reflexiones sobre el género del libro de artista; materiales canónicos y, a su vez, nuevos contenidos para quienes quieran indagar en esta disciplina artística. A partir de la experiencia propia y la investigación, Matilde Marín y Natalia Silberleib ofrecieron una imperdible charla, donde abordaron los puntos centrales que hacen al libro de artista y que abren el camino hacia futuros planteos y propuestas de trabajo.
Matilde Marín es presidenta de la Academia Nacional de Bellas Artes. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina y en la Kunstgewerbeschule de Zürich, Suiza. Ha sido distinguida por diversas instituciones en el país y en el exterior. En 2009 la Asociación Argentina de Críticos de Arte le otorga el “Premio Jorge Romero Brest a la Trayectoria”. Premio de la Bienal de Puerto Rico y de la Bienal de Cuenca, Ecuador. En 1992 obtiene el Konex de Platino como uno de los artistas más destacados de la década y es premio Nacional de Grabado. Desde el 2008 es miembro de número la Academia Nacional de Bellas Artes y actualmente presidente del Consejo de Administración de Fundación F. J. Klemm. Ha exhibido sus obras alrededor del mundo, en Francia, Perú, Cuba, Paquistán, Portugal, Brasil, México, Alemania, Estados Unidos de Norteamérica y por supuesto en la República Argentina.
Natalia Silberleib es Magister en Administración Cultural y Editora (ambas por la Universidad de Buenos Aires). Completó su formación en seminarios y congresos sobre publicaciones de museos en Estados Unidos. Tiene una amplia experiencia tanto en la edición de libros de arte y libros de artista como en la docencia universitaria y la investigación. Es profesora regular de la materia de Curaduría editorial en la Maestría en Curaduría en Artes Visuales (UNTREF) y consultora académica. Dictó cursos y seminarios en universidades de México, Perú, Colombia y Estados Unidos. Ofreció charlas en diferentes universidades e instituciones de la Argentina y del extranjero. Obtuvo las becas de investigación Boris Spivacow, otorgada por la Biblioteca Nacional e Investiga Cultura, del Ministerio de Cultura de la Nación. Ha publicado textos sobre publicaciones de museos y libros de artista en Uruguay, Brasil, México y Alemania. Como investigadora, trabaja sobre “las prácticas editoriales en el campo del arte”, la historia del libro de artista y las nuevas tendencias en ese campo.
MESA DE CONVERSACIÓN JUNTO A MATILDE MARÍN Y NATALIA SILBERLEIB.
Sábado 11 de noviembre de 2023
La reconocida artista argentina Matilde Marín presentó su nuevo libro titulado Libro de Artista. Objeto de sí mismo, obra realizada en colaboración con Natalia Silberleib. Se trata de un volumen que aporta información y reflexiones sobre el género del libro de artista; materiales canónicos y, a su vez, nuevos contenidos para quienes quieran indagar en esta disciplina artística. A partir de la experiencia propia y la investigación, Matilde Marín y Natalia Silberleib ofrecieron una imperdible charla, donde abordaron los puntos centrales que hacen al libro de artista y que abren el camino hacia futuros planteos y propuestas de trabajo.
Matilde Marín es presidenta de la Academia Nacional de Bellas Artes. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina y en la Kunstgewerbeschule de Zürich, Suiza. Ha sido distinguida por diversas instituciones en el país y en el exterior. En 2009 la Asociación Argentina de Críticos de Arte le otorga el “Premio Jorge Romero Brest a la Trayectoria”. Premio de la Bienal de Puerto Rico y de la Bienal de Cuenca, Ecuador. En 1992 obtiene el Konex de Platino como uno de los artistas más destacados de la década y es premio Nacional de Grabado. Desde el 2008 es miembro de número la Academia Nacional de Bellas Artes y actualmente presidente del Consejo de Administración de Fundación F. J. Klemm. Ha exhibido sus obras alrededor del mundo, en Francia, Perú, Cuba, Paquistán, Portugal, Brasil, México, Alemania, Estados Unidos de Norteamérica y por supuesto en la República Argentina.
Natalia Silberleib es Magister en Administración Cultural y Editora (ambas por la Universidad de Buenos Aires). Completó su formación en seminarios y congresos sobre publicaciones de museos en Estados Unidos. Tiene una amplia experiencia tanto en la edición de libros de arte y libros de artista como en la docencia universitaria y la investigación. Es profesora regular de la materia de Curaduría editorial en la Maestría en Curaduría en Artes Visuales (UNTREF) y consultora académica. Dictó cursos y seminarios en universidades de México, Perú, Colombia y Estados Unidos. Ofreció charlas en diferentes universidades e instituciones de la Argentina y del extranjero. Obtuvo las becas de investigación Boris Spivacow, otorgada por la Biblioteca Nacional e Investiga Cultura, del Ministerio de Cultura de la Nación. Ha publicado textos sobre publicaciones de museos y libros de artista en Uruguay, Brasil, México y Alemania. Como investigadora, trabaja sobre “las prácticas editoriales en el campo del arte”, la historia del libro de artista y las nuevas tendencias en ese campo.
CONFERENCIA DE ROSEMBERG SANDOVAL
ARTE COLOMBIANO DE LOS ÚLTIMOS 75 AÑOS (DEL BOGOTAZO A PETRO)
Sábado 4 de noviembre de 2023
Dando inicio a un ciclo de conferencias en el marco de BIENALSUR 2023, el artista colombiano Rosemberg Sandoval ofreció una ponencia titulada “Arte colombiano de los últimos 75 años (del Bogotazo a Petro)”, en la que brindó un amplio recorrido por la obra de grandes referentes que su país supo dar al mundo: Débora Arango, Doris Salcedo, Antonio Caro, Johanna Calle, Bernardo Salcedo, María Teresa Hincapié, entre tantos otros.
Rosemberg Sandoval es uno de los artistas más controversiales y transgresivos de la escena artística colombiana. Por más de 40 años, ha desarrollado obras radicales que rompen con la división entre el espacio de la galería de arte y una cruda realidad colombiana atravesada por pobreza, guerra, tráfico de drogas y crimen común. Reconocido como uno de los artistas de performance más importantes de Colombia y de Latinoamérica, viene de tener una muestra antológica consagratoria en el MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali y en la Universidad del Valle en donde ejerció como docente en el Departamento de artes visuales de la facultad de artes Integradas desde 1995 hasta febrero de 2016. Ha exhibido desde 1981 en Museos y centros culturales importantes de Alemania, México, Argentina, Austria, Australia, Brasil, Venezuela, Ecuador, España, Suiza, Italia, República Checa, Canadá, Uruguay, Francia y Colombia. Su obra se encuentra en colecciones privadas como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), Daros de Zurich, Prometeo de Italia y Museos de arte moderno de su país como: El MAMBO de Bogotá, Museo de Antioquia en Medellín, La Tertulia de Cali, MAM de Cartagena y Barranquilla y en galerías como Casas Riegner de Bogotá.
ARTE COLOMBIANO DE LOS ÚLTIMOS 75 AÑOS (DEL BOGOTAZO A PETRO)
Sábado 4 de noviembre de 2023
Dando inicio a un ciclo de conferencias en el marco de BIENALSUR 2023, el artista colombiano Rosemberg Sandoval ofreció una ponencia titulada “Arte colombiano de los últimos 75 años (del Bogotazo a Petro)”, en la que brindó un amplio recorrido por la obra de grandes referentes que su país supo dar al mundo: Débora Arango, Doris Salcedo, Antonio Caro, Johanna Calle, Bernardo Salcedo, María Teresa Hincapié, entre tantos otros.
Rosemberg Sandoval es uno de los artistas más controversiales y transgresivos de la escena artística colombiana. Por más de 40 años, ha desarrollado obras radicales que rompen con la división entre el espacio de la galería de arte y una cruda realidad colombiana atravesada por pobreza, guerra, tráfico de drogas y crimen común. Reconocido como uno de los artistas de performance más importantes de Colombia y de Latinoamérica, viene de tener una muestra antológica consagratoria en el MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali y en la Universidad del Valle en donde ejerció como docente en el Departamento de artes visuales de la facultad de artes Integradas desde 1995 hasta febrero de 2016. Ha exhibido desde 1981 en Museos y centros culturales importantes de Alemania, México, Argentina, Austria, Australia, Brasil, Venezuela, Ecuador, España, Suiza, Italia, República Checa, Canadá, Uruguay, Francia y Colombia. Su obra se encuentra en colecciones privadas como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), Daros de Zurich, Prometeo de Italia y Museos de arte moderno de su país como: El MAMBO de Bogotá, Museo de Antioquia en Medellín, La Tertulia de Cali, MAM de Cartagena y Barranquilla y en galerías como Casas Riegner de Bogotá.
BIENALSUR EN HOTEL DADA
CITA CON LA SELVA Acciones ecopoéticas en Amazonia
Sábado 16 de septiembre de 2023
Mesa redonda
Procesos artísticos, saberes ancestrales y cosmovisiones indígenas: modelos de resistencia al ecocidio
Participan: Teresa Pereda (Argentina), Simone Moraes (Brasil), Renata Peixe-Boi (Brasil) y Oscar Farías (Argentina).
Como parte del programa de CITA CON LA SELVA Acciones ecopoéticas en Amazonia, se presentó una charla en la galería con las artistas Simone Moraes y Teresa Pereda y la presencia de representantes de pueblos originarios, Renata Peixe-Boi, una indígena amazónica, y Oscar Farías, de la comunidad mapuche Nahuel Payún de Junín. Esta charla tuvo como objetivo, por un lado, compartir las experiencias de las dos artistas en sus proyectos en Amazonia, y por otro, producir conocimiento mediante la presentación de las particulares cosmovisiones de los pueblos indígenas, entendidas como modelos de resistencia frente al ecocidio y la expoliación del mundo. Se estableció así un cruce entre procesos artísticos, saberes ancestrales y modos de vida alternativos al modelo hegemónico occidental capitalista.
El lonko Oscar Farías, acompañado por integrantes de la comunidad Nahuel Payún, realizó un Pedido de Fuerzas (Newen) para la Lanmien (Hermana) Renata Peixe-Boi, hecho con sonidos de kultrunes, tambores ceremoniales. En tanto, la artista y activista Renata Peixe-Boi ofreció a los presentes una mesa servida con alimentos típicos de la selva amazónica, entre los que destacó un caldo que incluía trozos de un pez de gran tamaño: el tambaquí.
CITA CON LA SELVA Acciones ecopoéticas en Amazonia
Sábado 16 de septiembre de 2023
Mesa redonda
Procesos artísticos, saberes ancestrales y cosmovisiones indígenas: modelos de resistencia al ecocidio
Participan: Teresa Pereda (Argentina), Simone Moraes (Brasil), Renata Peixe-Boi (Brasil) y Oscar Farías (Argentina).
Como parte del programa de CITA CON LA SELVA Acciones ecopoéticas en Amazonia, se presentó una charla en la galería con las artistas Simone Moraes y Teresa Pereda y la presencia de representantes de pueblos originarios, Renata Peixe-Boi, una indígena amazónica, y Oscar Farías, de la comunidad mapuche Nahuel Payún de Junín. Esta charla tuvo como objetivo, por un lado, compartir las experiencias de las dos artistas en sus proyectos en Amazonia, y por otro, producir conocimiento mediante la presentación de las particulares cosmovisiones de los pueblos indígenas, entendidas como modelos de resistencia frente al ecocidio y la expoliación del mundo. Se estableció así un cruce entre procesos artísticos, saberes ancestrales y modos de vida alternativos al modelo hegemónico occidental capitalista.
El lonko Oscar Farías, acompañado por integrantes de la comunidad Nahuel Payún, realizó un Pedido de Fuerzas (Newen) para la Lanmien (Hermana) Renata Peixe-Boi, hecho con sonidos de kultrunes, tambores ceremoniales. En tanto, la artista y activista Renata Peixe-Boi ofreció a los presentes una mesa servida con alimentos típicos de la selva amazónica, entre los que destacó un caldo que incluía trozos de un pez de gran tamaño: el tambaquí.
LANZAMIENTO DEL ESPACIO HOTEL DADA EDITOR
Sábado 15 de julio de 2023
El 15 de julio, en paralelo con la inauguración de la exhibición BRAIN CELL del artista japonés Ryosuke Cohen, presentamos oficialmente el nuevo espacio que se destinará de modo permanente a acoger la librería del HOTEL DADA y las producciones de nuestro sello HOTEL DADA editor. Se trata de una sala que se propone como lugar de exhibición de libros y publicaciones de nuestro propio sello editor y de proyectos afines, donde el lector podrá acceder a ediciones de material especializado y exclusivo.
Sábado 15 de julio de 2023
El 15 de julio, en paralelo con la inauguración de la exhibición BRAIN CELL del artista japonés Ryosuke Cohen, presentamos oficialmente el nuevo espacio que se destinará de modo permanente a acoger la librería del HOTEL DADA y las producciones de nuestro sello HOTEL DADA editor. Se trata de una sala que se propone como lugar de exhibición de libros y publicaciones de nuestro propio sello editor y de proyectos afines, donde el lector podrá acceder a ediciones de material especializado y exclusivo.
Proyección del documental “De qué hablamos cuando hablamos de poesía visual” y presentación del catálogo de la muestra VALORES NACIONALES
Sábado 9 de julio de 2022
Continuando con el ciclo de actividades en el marco de la muestra VALORES NACIONALES, se proyectó el documental “De qué hablamos cuando hablamos de poesía visual”, un video-collage compuesto por los testimonios orales de los diferentes poetas que participan de la exhibición. Se trata de un registro muy importante, por cuanto pone a los propios poetas a reflexionar y ofrecer definiciones respecto a la poesía visual.
Por otro lado, también se presentó una nueva entrega de la histórica revista HOTEL DADA, número 19, que funciona como catálogo de la muestra VALORES NACIONALES. Esta revista-catálogo incluye la reproducción de todas las obras exhibidas, así como un amplio ensayo del teórico y curador Silvio De Gracia sobre la historia y el presente de la poesía visual argentina.
Sábado 9 de julio de 2022
Continuando con el ciclo de actividades en el marco de la muestra VALORES NACIONALES, se proyectó el documental “De qué hablamos cuando hablamos de poesía visual”, un video-collage compuesto por los testimonios orales de los diferentes poetas que participan de la exhibición. Se trata de un registro muy importante, por cuanto pone a los propios poetas a reflexionar y ofrecer definiciones respecto a la poesía visual.
Por otro lado, también se presentó una nueva entrega de la histórica revista HOTEL DADA, número 19, que funciona como catálogo de la muestra VALORES NACIONALES. Esta revista-catálogo incluye la reproducción de todas las obras exhibidas, así como un amplio ensayo del teórico y curador Silvio De Gracia sobre la historia y el presente de la poesía visual argentina.
Encuentro con los poetas Ariel Gangi y Rubén Liggera en el marco de VALORES NACIONALES
Poesía Visual Argentina
Sábado 2 de julio de 2022
Como parte del programa de actividades que acompañaron a la muestra VALORES NACIONALES, el sábado 2 de julio, a partir de las 19, tuvo lugar un encuentro con los poetas Ariel Gangi y Rubén Liggera, donde dieron a conocer los procesos creativos de cada uno, y mantuvieron un diálogo con el curador Silvio De Gracia y el público.
Ariel Gangi es un poeta y artista visual que reside en San Martín, en el Gran Buenos Aires. Sus trabajos comprenden varios registros: poesía visual, letrismo, ready made, acción poética, libro de artista, poema objeto, ensayo, poesía discursiva, y otras formas emparentadas con las vanguardias del siglo XX. Ha sido organizador y coordinador de las Primeras Jornadas Internacionales de Poesía Visual y Experimental, UNSAM (2015). También ha participado en varias exposiciones colectivas internacionales, en España y Francia, como por ejemplo: la del XIII Premio Internacional de Poesía Experimental, Badajoz (2014) y Hommage à Joan Brossa, Ille sur Tet, France (2017). Ha publicado los libros: Sinapsis, Edicions fet a mà, Badalona (2009); Alphaumbra, en el libro colectivo ABCDario, junto a los autores M. Gubbins, J.M.Calleja y Carlota Caulfield. Ediciones Canibaal, Valencia. (2015); xyzA-Cdef, Antología de Poesía Visual Argentina y Catalana, Tiempo Sur y Pont de Petroli, Bs.As-Badalona, (2019); Zeit-geist. Redfoxpress, Irlanda (2020).
Por su parte, Rubén Américo Liggera es un destacado poeta juninense. Profesor en Historia y Letras. Periodista, ensayista, poeta, docente, editor y artista visual. Director entre 1989 y 1994 de la publicación cultural Horizonte de Cultura. Ha publicado: Pido gancho, poesía, 1972; La fuente de los deseos, poesía, 1973; Agua desnuda, poesía, 1989; De espejos, fantasmas y esqueletos. Ensayos sobre la obra literaria de Enrique Anderson Imbert, análisis y crítica literaria, 1990; Piadosa luz, poesía, 1997 (Premio Fundación Banco de Caseros); Woodstock, poesía, 2001 (Premio de poesía FATSA 2000); Cenizas de Alejandría, poesía, 2008 (Finalista premio Olga Orozco, nómada-UNSAM). Desde su libro germinal, La fuente de los deseos, se ha revelado como un poeta con un fuerte compromiso político y una constante vocación experimental. A partir de 2021, inicia una serie de publicaciones en las que experimenta con los formatos, los soportes y los cruces entre la poesía y las artes visuales: Sólo quería decir, poesía correo (un libro que se incluye en una carta a modo de misiva): Memoria y laurel (en preparación, libro-caja): y VERsar/ReVERsar, libro de artista (presentado en OTROS LIBROS Exhibición Internacional de Libros de Artista, en la Galería HOTEL DADA).
IN THE SPIRIT OF FLUXUS Una conversación fluxus con The Kinsinas y Michael Orr
Sábado 12 de diciembre de 2020
FLUXUS LIVES: ETERNAL RADICAL ATTITUDE
Described as "the most radical and experimental art movement of the 1960s," Fluxus has challenged traditional thinking about art and culture for more than four decades. It has been a think tank for artistic experimentation in Europe, Asia, and the United States. It had a central role in the birth of key forms of contemporary art, such as conceptual art, installation, performance, intermedia and video. Despite its great influence, the scope and scale of this unique phenomenon makes its explanation extremely complex in historical and critical normative terms.
However, the art marketing system has reduced Fluxus to a movement restricted to a specific time, and group of people, blocking the way for further developments beyond the '70s. Killing off Fluxus, has made it easier for museum curators and deep pocketed collectors to mount retrospectives, large exhibitions and to create a market, but it contradicts the true spirit of Fluxus. Dick Higgins, a Fluxus co-founder and one of its greatest theorists, has written that: “Fluxus is not a moment in history or an artistic movement. Fluxus is a way of doing things, a tradition and a way of life and death". For Higgins, many of his contemporaries, and theorist-historians like Owen Smith and Ken Friedman, Fluxus was more valuable as an idea and agent of social change than as a specific group of people or a collection of objects.
Contrary to market forces and a small group of academics, Fluxus did not die on a sacred date in the past but is still alive. Today Fluxus is a forum, a circle of friends, a living community. Fluxus as a way of thinking and working retains its vitality and continues to transform the relationship between art and the world around it. Today, various artists from around the world continue to work in the Fluxus tradition, internalizing this attitude and integrating it into their artistic creation.
From the early 2000s, a group of Fluxus artists, first joined by the online community “Fluxlist” (co-founded by Fluxus co-founder Dick Higgins), began organizing and attending a series of international Fluxfests, first in New York City, and then in Chicago. These festivals have been organized mainly by Keith Buchholz, based in St. Louis (first with the help of Allan Revich from Toronto and with the support of the Emily Harvey Foundation in Manhattan, and then in Chicago with the help of artist Bill (Picasso) Gaglione and curator Tricia Van Eck). This group of artists has remained faithful to the Four Fluxus Ideas that have been defined by the artist and theorist Allan Revich:
- Fluxus is an attitude. It is not a movement or a style.
- Fluxus is Intermedia. Fluxus creators like to see what happens when different media intersect. They use everyday found objects, sounds, images, and texts to create new combinations of objects, sounds, images, and texts.
- Fluxus works are simple. Art is small, texts are short, and performances are short.
- Fluxus is fun. Humour has always been an important element in Fluxus.
In August 2020, in the context of the Covid-19 virus, the HOTEL DADA Gallery Base de Arte Correo y Poesía Experimental (directed by the artists Silvio De Gracia and Ana Montenegro) has organized, with the curatorship of the artist Bibiana Padilla Maltos, its first Fluxus festival completely online. This HOTEL DADA FLUXFEST ONLINE has 2 particularities that will mark its future historical importance in the future of Fluxus: it is the first festival initiated in Latin America, and the first Fluxfest that takes place in a totally virtual environment. As artist Allan Revich states, “In the Internet age, the world of Intermedia has become the new normal. It seems natural that the combination of the intersections of technical media and online social media leads to a revival of the new Fluxus which, while not the same as the old Fluxus, is nevertheless a natural extension of it. HOTEL DADA FLUXFEST online hopes to take the concept of intermedia to a new level, by exploring radical Fluxus in cyberspace.On August 1 and 2, the Fluxus dialogue will come to life again through the performances of a group of international artists who will meet for the first time on the internet, to demonstrate that there are no limits between art and life.
Silvio De Gracia, HOTEL DADA, July 20, 2020.
(with collaboration of Allan Revich)
FLUXUS VIVE : ETERNA ACTITUD RADICAL
Descrito como "el movimiento artístico más radical y experimental de la década de 1960", Fluxus desafió el pensamiento tradicional sobre el arte y la cultura durante más de cuatro décadas, convirtiéndose en un laboratorio de ideas para la experimentación artística en Europa, Asia y Estados Unidos. Tuvo un papel central en el nacimiento de formas clave del arte contemporáneo, como arte conceptual, instalación, performance, intermedia y video. A pesar de su gran influencia, el alcance y la escala de este fenómeno único torna sumamente compleja su explicación en términos normativos históricos y críticos.
Sin embargo, el sistema de marketing de arte ha reducido Fluxus a un movimiento restringido a un tiempo específico y a un grupo de personas, bloqueando el camino para desarrollos ulteriores más allá de los 70. Matando a Fluxus se les ha facilitado a los curadores de museos y coleccionistas de profundos bolsillos montar retrospectivas, grandes exposiciones y crear un mercado, pero todo esto contradice el verdadero espíritu de Fluxus. Dick Higgins, co-fundador de Fluxus y uno de sus mayores teóricos, ha escrito que: “Fluxus no es un momento en la historia o un movimiento artístico. Fluxus es una forma de hacer las cosas, una tradición y una forma de vida y muerte". Para Higgins, muchos de sus contemporáneos, y teóricos-historiadores como Owen Smith y y Ken Friedman, Fluxus era más valioso como idea y agente de cambio social que como un grupo específico de personas o una colección de objetos.
A pesar de las fuerzas del mercado y un pequeño grupo de académicos, Fluxus no murió en una fecha sagrada en el pasado, sino que sigue vivo. Hoy Fluxus es un foro, un círculo de amigos, una comunidad viva. El fluxismo como forma de pensar y trabajar conserva su vitalidad y sigue transformando la relación entre el arte y el mundo que lo rodea. Hoy, varios artistas de todo el mundo continúan trabajando en la tradición de Fluxus, internalizando esta actitud e integrándola en su creación artística.
Desde principios de la década de 2000, un grupo de artistas de Fluxus, unidos al principio por la comunidad en línea "Fluxlist" (cofundada por el cofundador de Fluxus, Dick Higgins), comenzó a organizar y asistir a una serie de Fluxfests internacionales, primero en la ciudad de Nueva York, y luego en Chicago. Estos festivales han sido organizados principalmente por Keith Buchholz, con sede en St. Louis (primero con la ayuda de Allan Revich de Toronto y el apoyo de la Fundación Emily Harvey en Manhattan, y luego con la ayuda del artista Bill (Picasso) Gaglione y la curadora Tricia Van Eck). Este grupo de artistas se ha mantenido fiel a las Cuatro Ideas Fluxus que han sido definidas por el artista y teórico Allan Revich:
En agosto 2020, en el contexto del Covid-19, la galería HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental (dirigida por los artistas Silvio De Gracia y Ana Montenegro) organiza, con curaduría de la artista Bibiana Padilla Maltos, su primer festival Fluxus en forma completamente online. Este HOTEL DADA FLUXFEST ONLINE tiene 2 particularidades que marcarán su importancia histórica a futuro en el devenir de Fluxus: se trata del primer festival convocado desde Latinoamérica y de la primera ocasión en que se desarrolla en un entorno totalmente virtual. Como afirma el artista Allan Revich, “en la era de Internet, el mundo de Intermedia se ha convertido en la nueva normalidad. Parece natural que la combinación de las intersecciones de los medios técnicos y las redes sociales en línea conduzca a un renacimiento del nuevo Fluxus que, aunque no es lo mismo que el antiguo Fluxus, es, sin embargo, una extensión natural del mismo ». HOTEL DADA FLUXFEST online espera llevar el concepto de intermedia a un nuevo nivel, mediante la exploración de la radicalidad fluxus en el ciberespacio. Los próximos días 1 y 2 de agosto el diálogo fluxus volverá a cobrar vida a través de las performances de un grupo de artistas internacionales que se encontrarán por primera vez en internet, para mostrarnos que no hay límites entre el arte y la vida.
Silvio De Gracia, HOTEL DADA, 20 de julio de 2020.
Descrito como "el movimiento artístico más radical y experimental de la década de 1960", Fluxus desafió el pensamiento tradicional sobre el arte y la cultura durante más de cuatro décadas, convirtiéndose en un laboratorio de ideas para la experimentación artística en Europa, Asia y Estados Unidos. Tuvo un papel central en el nacimiento de formas clave del arte contemporáneo, como arte conceptual, instalación, performance, intermedia y video. A pesar de su gran influencia, el alcance y la escala de este fenómeno único torna sumamente compleja su explicación en términos normativos históricos y críticos.
Sin embargo, el sistema de marketing de arte ha reducido Fluxus a un movimiento restringido a un tiempo específico y a un grupo de personas, bloqueando el camino para desarrollos ulteriores más allá de los 70. Matando a Fluxus se les ha facilitado a los curadores de museos y coleccionistas de profundos bolsillos montar retrospectivas, grandes exposiciones y crear un mercado, pero todo esto contradice el verdadero espíritu de Fluxus. Dick Higgins, co-fundador de Fluxus y uno de sus mayores teóricos, ha escrito que: “Fluxus no es un momento en la historia o un movimiento artístico. Fluxus es una forma de hacer las cosas, una tradición y una forma de vida y muerte". Para Higgins, muchos de sus contemporáneos, y teóricos-historiadores como Owen Smith y y Ken Friedman, Fluxus era más valioso como idea y agente de cambio social que como un grupo específico de personas o una colección de objetos.
A pesar de las fuerzas del mercado y un pequeño grupo de académicos, Fluxus no murió en una fecha sagrada en el pasado, sino que sigue vivo. Hoy Fluxus es un foro, un círculo de amigos, una comunidad viva. El fluxismo como forma de pensar y trabajar conserva su vitalidad y sigue transformando la relación entre el arte y el mundo que lo rodea. Hoy, varios artistas de todo el mundo continúan trabajando en la tradición de Fluxus, internalizando esta actitud e integrándola en su creación artística.
Desde principios de la década de 2000, un grupo de artistas de Fluxus, unidos al principio por la comunidad en línea "Fluxlist" (cofundada por el cofundador de Fluxus, Dick Higgins), comenzó a organizar y asistir a una serie de Fluxfests internacionales, primero en la ciudad de Nueva York, y luego en Chicago. Estos festivales han sido organizados principalmente por Keith Buchholz, con sede en St. Louis (primero con la ayuda de Allan Revich de Toronto y el apoyo de la Fundación Emily Harvey en Manhattan, y luego con la ayuda del artista Bill (Picasso) Gaglione y la curadora Tricia Van Eck). Este grupo de artistas se ha mantenido fiel a las Cuatro Ideas Fluxus que han sido definidas por el artista y teórico Allan Revich:
- Fluxus es una actitud. No es un movimiento o un estilo.
- Fluxus es intermedia. A los creadores de Fluxus les gusta ver qué sucede cuando se cruzan diferentes medios. Utilizan objetos, sonidos, imágenes y textos encontrados y cotidianos para crear nuevas combinaciones de objetos, sonidos, imágenes y textos.
- Los trabajos de Fluxus son simples. El arte es pequeño, los textos son cortos y las performances son breves.
- Fluxus es divertido. El humor siempre ha sido un elemento importante en Fluxus.
En agosto 2020, en el contexto del Covid-19, la galería HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental (dirigida por los artistas Silvio De Gracia y Ana Montenegro) organiza, con curaduría de la artista Bibiana Padilla Maltos, su primer festival Fluxus en forma completamente online. Este HOTEL DADA FLUXFEST ONLINE tiene 2 particularidades que marcarán su importancia histórica a futuro en el devenir de Fluxus: se trata del primer festival convocado desde Latinoamérica y de la primera ocasión en que se desarrolla en un entorno totalmente virtual. Como afirma el artista Allan Revich, “en la era de Internet, el mundo de Intermedia se ha convertido en la nueva normalidad. Parece natural que la combinación de las intersecciones de los medios técnicos y las redes sociales en línea conduzca a un renacimiento del nuevo Fluxus que, aunque no es lo mismo que el antiguo Fluxus, es, sin embargo, una extensión natural del mismo ». HOTEL DADA FLUXFEST online espera llevar el concepto de intermedia a un nuevo nivel, mediante la exploración de la radicalidad fluxus en el ciberespacio. Los próximos días 1 y 2 de agosto el diálogo fluxus volverá a cobrar vida a través de las performances de un grupo de artistas internacionales que se encontrarán por primera vez en internet, para mostrarnos que no hay límites entre el arte y la vida.
Silvio De Gracia, HOTEL DADA, 20 de julio de 2020.
HOTEL DADA ONLINE: COLOQUIO DE LA NADA TALKING ABOUT NOTHING / MAKING NOTHING
3 DE JULIO DE 2020
3 DE JULIO DE 2020
HOTEL DADA ONLINE: ENCUENTRO CON EL CURADOR JUAN-RAMÓN BARBANCHO
6 DE JUNIO 2020
EL ARTE Y EL VACÍO
La Nada no existe, es lo que no es, pero en el momento en que la definimos y la acotamos ya la estamos convirtiendo en “algo”. Juan-Ramón Barbancho habló sobre el vacío en el arte no como la nada, como un espacio que no es, sino como materia de la obra de arte, concretamente en la escultura. A partir de referencias a la obra de Chillida, Henry Moore y Oteiza, se refirió a la escultura como presencia en el espacio, que a su vez crea espacio, y demostrará cómo el vacío es un elemento de construcción, y por otro lado, un elemento de distinción de los límites de las formas y de las cosas.
Nothing does not exist, it is what it is not, but the moment we define it we are already turning it into "something". Juan-Ramón Barbancho spoke about the void in art not as nothing, as a space that is not, but as a matter of the work of art, specifically in sculpture. From references to the work of Chillida, Henry Moore and Oteiza, he referred to sculpture as a presence in space, which in turn creates space, and will demonstrate how emptiness is an element of construction, and on the other hand, a element of distinction of the limits of forms and things.
JUAN-RAMÓN BARBANCHO [ESPAÑA]
Doctor en Historia del Arte. Curador independiente y ensayista. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Miembro del Comité Científico de la Ñawi. Revista de Arte, Diseño y Comunicación. Escuela de Diseño y Comunicación Visual. ESPOL (Guayaquil, Ecuador). Su investigación se centra en las relaciones y sinergias entre arte, política y sociedad, asunto sobre el que ha curado varias exposiciones. Ha publicado libros sobre arte actual y artículos en diferentes medios, entre los que se pueden mencionar: A la vuelta de la esquina. Recopilación de textos y artículos. CIESPAL, Ecuador; Arte desde una perspectiva sociológica. Experiencias sobre arte, política y sociedad. Editorial Ars Activus, Granada, España; Good as you. Representaciones de la Homosexualidad en el arte contemporáneo, Quito, Ecuador; y Poética de la memoria. Sobre los memoriales por los asesinados por las dictaduras en Chile, Argentina, Perú y Colombia, Capítulo en el libro “Dolor, represión y censura política en la cultura del siglo XX”. Ed. Libargo. Granada, 2016.
La Nada no existe, es lo que no es, pero en el momento en que la definimos y la acotamos ya la estamos convirtiendo en “algo”. Juan-Ramón Barbancho habló sobre el vacío en el arte no como la nada, como un espacio que no es, sino como materia de la obra de arte, concretamente en la escultura. A partir de referencias a la obra de Chillida, Henry Moore y Oteiza, se refirió a la escultura como presencia en el espacio, que a su vez crea espacio, y demostrará cómo el vacío es un elemento de construcción, y por otro lado, un elemento de distinción de los límites de las formas y de las cosas.
Nothing does not exist, it is what it is not, but the moment we define it we are already turning it into "something". Juan-Ramón Barbancho spoke about the void in art not as nothing, as a space that is not, but as a matter of the work of art, specifically in sculpture. From references to the work of Chillida, Henry Moore and Oteiza, he referred to sculpture as a presence in space, which in turn creates space, and will demonstrate how emptiness is an element of construction, and on the other hand, a element of distinction of the limits of forms and things.
JUAN-RAMÓN BARBANCHO [ESPAÑA]
Doctor en Historia del Arte. Curador independiente y ensayista. Miembro de la Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes. Miembro del Comité Científico de la Ñawi. Revista de Arte, Diseño y Comunicación. Escuela de Diseño y Comunicación Visual. ESPOL (Guayaquil, Ecuador). Su investigación se centra en las relaciones y sinergias entre arte, política y sociedad, asunto sobre el que ha curado varias exposiciones. Ha publicado libros sobre arte actual y artículos en diferentes medios, entre los que se pueden mencionar: A la vuelta de la esquina. Recopilación de textos y artículos. CIESPAL, Ecuador; Arte desde una perspectiva sociológica. Experiencias sobre arte, política y sociedad. Editorial Ars Activus, Granada, España; Good as you. Representaciones de la Homosexualidad en el arte contemporáneo, Quito, Ecuador; y Poética de la memoria. Sobre los memoriales por los asesinados por las dictaduras en Chile, Argentina, Perú y Colombia, Capítulo en el libro “Dolor, represión y censura política en la cultura del siglo XX”. Ed. Libargo. Granada, 2016.
HOTEL DADA ONLINE: ENCUENTRO CON MONTENEGRO FISHER [CHILE-REINO UNIDO] 23 de mayo de 2020
El pasado sábado 23 se realizó el segundo encuentro virtual en el contexto de la exhibición LA NADA Una declaración. Se vivió una experiencia envolvente y sumamente estimulante con el dúo de performers radicados en Reino Unido, Montenegro Fisher, quienes ofrecieron un concierto alive de poesía, performance y música experimental.
Last Saturday 23 the second virtual meeting was held in the context of the exhibition LA NADA Una declaración. An immersive and highly stimulating experience was lived with the UK-based duo of performers, Montenegro Fisher, who gave a live concert of poetry, performance and experimental music.
MONTENEGRO FISHER
Adrian Fisher y Luna Montenegro investigan acerca del rito y la transformación, participación y experiencia en contextos locales, explorando fronteras entre lo político y lo poético. Colaboran desde el año 2000 en la creación de acciones de arte, videos, instalaciones, performances y proyectos curatoriales. Adrian Fisher (UK) estudió Bellas Artes y Teoría Crítica en Goldsmiths College, en la Universidad de Londres. Luna Montenegro estudió Ciencias Sociales y Bellas Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago.
Han mostrado su trabajo extensamente en Europa y América Latina, en espacios como ICA (Instituto de Arte Contemporáneo), Londres, CCCB, Centro de Cultura Contemporánea, Barcelona, Palacio das Artes, Bello Horizonte, diversas galerías de arte, festivales, residencias internacionales, proyectos de sitio especifico, internet y radio.
http://www.mmmmm.org.uk/
El pasado sábado 23 se realizó el segundo encuentro virtual en el contexto de la exhibición LA NADA Una declaración. Se vivió una experiencia envolvente y sumamente estimulante con el dúo de performers radicados en Reino Unido, Montenegro Fisher, quienes ofrecieron un concierto alive de poesía, performance y música experimental.
Last Saturday 23 the second virtual meeting was held in the context of the exhibition LA NADA Una declaración. An immersive and highly stimulating experience was lived with the UK-based duo of performers, Montenegro Fisher, who gave a live concert of poetry, performance and experimental music.
MONTENEGRO FISHER
Adrian Fisher y Luna Montenegro investigan acerca del rito y la transformación, participación y experiencia en contextos locales, explorando fronteras entre lo político y lo poético. Colaboran desde el año 2000 en la creación de acciones de arte, videos, instalaciones, performances y proyectos curatoriales. Adrian Fisher (UK) estudió Bellas Artes y Teoría Crítica en Goldsmiths College, en la Universidad de Londres. Luna Montenegro estudió Ciencias Sociales y Bellas Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago.
Han mostrado su trabajo extensamente en Europa y América Latina, en espacios como ICA (Instituto de Arte Contemporáneo), Londres, CCCB, Centro de Cultura Contemporánea, Barcelona, Palacio das Artes, Bello Horizonte, diversas galerías de arte, festivales, residencias internacionales, proyectos de sitio especifico, internet y radio.
http://www.mmmmm.org.uk/
HOTEL DADA ONLINE: ENCUENTRO CON LA ARTISTA ISABEL LEÓN [ESPAÑA] 16 de mayo de 2020
En el marco de la exhibición LA NADA Una declaración, HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental propuso un encuentro virtual con la artista de performance y poesía acción Isabel León, que incluyó un amplio recorrido por sus series de Minivideoperformances, a través de la explicación de la génesis de cada una de ellas y el visionado de videos, además de brindarse a un diálogo abierto con el público.
In the framework of the exhibition LA NADA Una declaración, HOTEL DADA proposed a virtual meeting with the artist Isabel León, which included an extensive tour of her series of Minivideperformances, through the explanation of the genesis of each of them and the viewing of videos, in addition to offering an open dialogue with the public.
ISABEL LEÓN
Artista visual licenciada en BB.AA. y Máster Oficial en Producción e Investigación en Arte Contemporáneo. Centrada en el arte de performance desde el 2007, participa en numerosos festivales de arte de acción y residencias tanto nacionales como internacionales (Canadá, Alemania, Finlandia, Noruega, Marruecos y Ucrania). Co-coordina el proyecto de investigación en Comunicación y Performance EXCHANGE Live Art con el que realiza laboratorios y encuentros, e imparte talleres en diferentes contextos e instituciones.Combina su producción artística y la coordinación de proyectos con la docencia, impartiendo talleres en diferentes contextos institucionales e independientes.
http://www.isabelleon.com/
En el marco de la exhibición LA NADA Una declaración, HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental propuso un encuentro virtual con la artista de performance y poesía acción Isabel León, que incluyó un amplio recorrido por sus series de Minivideoperformances, a través de la explicación de la génesis de cada una de ellas y el visionado de videos, además de brindarse a un diálogo abierto con el público.
In the framework of the exhibition LA NADA Una declaración, HOTEL DADA proposed a virtual meeting with the artist Isabel León, which included an extensive tour of her series of Minivideperformances, through the explanation of the genesis of each of them and the viewing of videos, in addition to offering an open dialogue with the public.
ISABEL LEÓN
Artista visual licenciada en BB.AA. y Máster Oficial en Producción e Investigación en Arte Contemporáneo. Centrada en el arte de performance desde el 2007, participa en numerosos festivales de arte de acción y residencias tanto nacionales como internacionales (Canadá, Alemania, Finlandia, Noruega, Marruecos y Ucrania). Co-coordina el proyecto de investigación en Comunicación y Performance EXCHANGE Live Art con el que realiza laboratorios y encuentros, e imparte talleres en diferentes contextos e instituciones.Combina su producción artística y la coordinación de proyectos con la docencia, impartiendo talleres en diferentes contextos institucionales e independientes.
http://www.isabelleon.com/
|
EVENTO DE CIERRE DE SELLOS MARGINALES
26 de febrero de 2020 En el cierre de SELLOS MARGINALES, el curador Silvio De Gracia ofreció una visita guiada, con un amplio enfoque histórico del arte de sellos de goma, y referenciando especialmente a las piezas exhibidas. El programa incluyó la presentación de la performance Marca registrada de Ana Montenegro, una Acción Postal de Norberto José Martínez y una Propuesta de Acción poética de José Roberto Sechi, titulada Semillas de viento. At the closing of MARGINAL STAMPS, the curator Silvio De Gracia offered a guided tour, with a broad historical focus on the rubber stamps art, and with special reference to the exhibited pieces. The program included the performance Trademark of Ana Montenegro, a Postal Action by Norberto José Martínez and a poetic action proposal by José Roberto Sechi, entitled Seeds of Wind. |
ANA MONTENEGRO
Performance Marca Registrada
Esta acción constituye una relectura de la videoperformance Marca registrada de la artista brasileña Leticia Parente, realizada en 1975. En la acción original, la artista cose en la planta del pie con una aguja y un hilo negro las palabras "MADE IN BRASIL", evocando tanto la marca de hierro que se utiliza para indicar la propiedad de los animales, como la conexión profunda e impenetrable con la patria y la identidad del individuo afirmado en su historicidad, asentado en la planta de su pie.
En la relectura de Ana Montenegro la frase « MADE IN BRASIL » es fijada al pie mediante un sello de goma, y se repite hasta la superposición y el desaparecimiento. La elección de un sello de goma alude al ejercicio burocrático y oficinesco, a un símbolo de poder que se vincula con la autoridad y la validación o no de alguna cosa, como licencias, certificados o pasaportes.
En su condición de migrante, viviendo entre Brasil y Argentina, la acción de la artista pone en jaque las nociones de identidad, nacionalidad, mitos e imposiciones geográficas. La marca de origen (« MADE IN BRASIL ») se vuelve irreconocible y se apaga como metáfora de la transnacionalidad, como señal de una identidad transfronteriza que se nutre de la antropofagia de las marcas impuestas por los ritos de construcción de la nacionalidad.
Silvio De Gracia, 25 de febrero de 2020.
Performance Marca Registrada
Esta acción constituye una relectura de la videoperformance Marca registrada de la artista brasileña Leticia Parente, realizada en 1975. En la acción original, la artista cose en la planta del pie con una aguja y un hilo negro las palabras "MADE IN BRASIL", evocando tanto la marca de hierro que se utiliza para indicar la propiedad de los animales, como la conexión profunda e impenetrable con la patria y la identidad del individuo afirmado en su historicidad, asentado en la planta de su pie.
En la relectura de Ana Montenegro la frase « MADE IN BRASIL » es fijada al pie mediante un sello de goma, y se repite hasta la superposición y el desaparecimiento. La elección de un sello de goma alude al ejercicio burocrático y oficinesco, a un símbolo de poder que se vincula con la autoridad y la validación o no de alguna cosa, como licencias, certificados o pasaportes.
En su condición de migrante, viviendo entre Brasil y Argentina, la acción de la artista pone en jaque las nociones de identidad, nacionalidad, mitos e imposiciones geográficas. La marca de origen (« MADE IN BRASIL ») se vuelve irreconocible y se apaga como metáfora de la transnacionalidad, como señal de una identidad transfronteriza que se nutre de la antropofagia de las marcas impuestas por los ritos de construcción de la nacionalidad.
Silvio De Gracia, 25 de febrero de 2020.