SILVIO DE GRACIA Palabra prohibida
del 25 de noviembre al 17 de diciembre de 2022
Curaduría: Ana Montenegro
del 25 de noviembre al 17 de diciembre de 2022
Curaduría: Ana Montenegro
SILVIO DE GRACIA
PALABRA PROHIBIDA
En tiempos de profunda tensión social, sanitaria y política, tomar conciencia de la experiencia de la finitud se vuelve imprescindible en términos comunitarios e individuales. La muerte no aporta nada a nuestra sociedad, está prohibida, es un tabú. La deshumanización hacia la que nos encaminamos elimina lo simbólico, factor preponderante frente a una realidad existencial llamada muerte.
Palabra Prohibida presenta de manera casi obscena el morir que es nuestra última condición, sin miedo y sin vacilación. Como diría Heidegger, somos seres para la muerte. El óbito tiene una presencia constante en nuestros días. Guerras, pandemias, catástrofes, además de la crueldad inherente a los seres humanos en el cotidiano próximo y distante, crean una paradoja. ¿Cómo, entonces, asumir la muerte frente a las seducciones del régimen neoliberal y el consumo capitalista? Parece una aporía.
Al entrar en la galería nos encontramos con la instalación Ese otro mar, compuesta por la palabra muerte en vinilo, repetidas veces, sobre el piso. El público es inducido sin escapatoria a pisar la escritura y mirar para el suelo. La acción conduce a la reflexión sobre la muerte, de nuestra propia muerte. Una situación provisional bajo el signo de la escritura de la muerte.
En Instante final, vemos un reloj analógico, roto, en la pared, junto a una imagen de Cristo esculpida en bronce, con uno de sus brazos arrancado. La pieza está boca abajo y el brazo restante señala la misma posición que la manecilla del reloj que indica los minutos. El reloj es una representación del paso transitorio de la vida humana, se asocia a la muerte y a la noción de proximidad a ella, con el pasar del tiempo. ¿Un tiempo sin Dios? ¿Una imprecisión señalada o un estar ya en lo impreciso?
La instalación Pornografias está compuesta por un conjunto de cuatro placas de metal (en formato mortuorio), fijadas a la pared. En cada una se grabó un pequeño texto literario a modo de epígrafe, y al lado, formando un díptico, una imagen erótica completa la obra. Para los franceses La Petite Mort es el ápice erótico. Se revela en el erotismo una experiencia de muerte. Bataille habla de la pequeña muerte como la experiencia de lo imposible. El juego que crea el artista al unir textos e imágenes dispares nos traslada a un lugar vacilante. Morir sin morir. La posibilidad de lo imposible.
En For love of Gag (This is not Hirst), dispuesto sobre un pedestal, se exhibe un objeto apropiado por el artista. En este caso, una calavera real, interferida con pegatinas de colores. Llegamos a imaginar el cuerpo que falta. Una vez más se nos confronta con figuras contradictorias que nos sitúan al borde del abismo. La palabra gag en inglés tiene varios significados, como mordaza, broma, juego, impedimento, engaño… La frase this is not Hirst nos da una pista. La muerte no pasa de un juego, ese de tentar traspasar el horizonte que no llega nunca. La angustia de lo inaccesible.
Purgatorio, un poema en vinilo, del propio artista, reposa sobre una pared blanca, casi como moscas entre un vuelo y otro. Como sabemos, el Purgatorio consiste, según el concepto religioso, en un lugar o condición de punición temporal. El poema enumera una sucesión de palabras, como una meditación sobre la vida y un deseo de muerte.
En el video El Susurro, el artista inclinado sobre una tumba afina sus oídos para descifrar las cacofonías que la muerte susurra a los mortales. Así se acerca a la muerte, a lo que ya no existe. Insistir en la finitud casi produce vértigo para una sociedad que pierde la compostura ante el vestigio, el resto, las cenizas. Una presencia suspendida, un cadáver del ser.
Ya en el video Ceremonia, el artista camina por un bosque de noche, sosteniendo con dificultad una llama entre árboles y arbustos. Las espinas tocan su cuerpo y sus pies. Un ritual de sacrificio, una tarea ardua, larga y frustrante para llegar hasta el final. No es un desafío fácil, sin embargo, tiene que hacerse. Es preciso atravesar el paisaje.
Según Byung-Chul Han, Eros, el amor, nos salva. Han escribe: ≪El amor se convierte en una estrategia para sobrevivir. Cuando uno se pasa al otro, cuando uno es el otro, cuando uno ama olvidándose de sí mismo, mi muerte ya no existe. Quien ama no muere. El miedo desaparece≫. ¿Es posible algún alivio contra la pasividad de la muerte? ¿No sería arriesgado aceptar esa victoria frente a la muerte? ¿No es asumir la muerte en la conciencia demasiado aporético? Silvio De Gracia, en esta individual, propone una inmersión en las aguas profundas de nuestra existencia. Caminar sin miedo cerca del abismo, al fin. A través de lo simbólico que se opone al imaginario de la vida sin la muerte, el capitalismo fracasa.
Ana Montenegro
PALABRA PROHIBIDA
En tiempos de profunda tensión social, sanitaria y política, tomar conciencia de la experiencia de la finitud se vuelve imprescindible en términos comunitarios e individuales. La muerte no aporta nada a nuestra sociedad, está prohibida, es un tabú. La deshumanización hacia la que nos encaminamos elimina lo simbólico, factor preponderante frente a una realidad existencial llamada muerte.
Palabra Prohibida presenta de manera casi obscena el morir que es nuestra última condición, sin miedo y sin vacilación. Como diría Heidegger, somos seres para la muerte. El óbito tiene una presencia constante en nuestros días. Guerras, pandemias, catástrofes, además de la crueldad inherente a los seres humanos en el cotidiano próximo y distante, crean una paradoja. ¿Cómo, entonces, asumir la muerte frente a las seducciones del régimen neoliberal y el consumo capitalista? Parece una aporía.
Al entrar en la galería nos encontramos con la instalación Ese otro mar, compuesta por la palabra muerte en vinilo, repetidas veces, sobre el piso. El público es inducido sin escapatoria a pisar la escritura y mirar para el suelo. La acción conduce a la reflexión sobre la muerte, de nuestra propia muerte. Una situación provisional bajo el signo de la escritura de la muerte.
En Instante final, vemos un reloj analógico, roto, en la pared, junto a una imagen de Cristo esculpida en bronce, con uno de sus brazos arrancado. La pieza está boca abajo y el brazo restante señala la misma posición que la manecilla del reloj que indica los minutos. El reloj es una representación del paso transitorio de la vida humana, se asocia a la muerte y a la noción de proximidad a ella, con el pasar del tiempo. ¿Un tiempo sin Dios? ¿Una imprecisión señalada o un estar ya en lo impreciso?
La instalación Pornografias está compuesta por un conjunto de cuatro placas de metal (en formato mortuorio), fijadas a la pared. En cada una se grabó un pequeño texto literario a modo de epígrafe, y al lado, formando un díptico, una imagen erótica completa la obra. Para los franceses La Petite Mort es el ápice erótico. Se revela en el erotismo una experiencia de muerte. Bataille habla de la pequeña muerte como la experiencia de lo imposible. El juego que crea el artista al unir textos e imágenes dispares nos traslada a un lugar vacilante. Morir sin morir. La posibilidad de lo imposible.
En For love of Gag (This is not Hirst), dispuesto sobre un pedestal, se exhibe un objeto apropiado por el artista. En este caso, una calavera real, interferida con pegatinas de colores. Llegamos a imaginar el cuerpo que falta. Una vez más se nos confronta con figuras contradictorias que nos sitúan al borde del abismo. La palabra gag en inglés tiene varios significados, como mordaza, broma, juego, impedimento, engaño… La frase this is not Hirst nos da una pista. La muerte no pasa de un juego, ese de tentar traspasar el horizonte que no llega nunca. La angustia de lo inaccesible.
Purgatorio, un poema en vinilo, del propio artista, reposa sobre una pared blanca, casi como moscas entre un vuelo y otro. Como sabemos, el Purgatorio consiste, según el concepto religioso, en un lugar o condición de punición temporal. El poema enumera una sucesión de palabras, como una meditación sobre la vida y un deseo de muerte.
En el video El Susurro, el artista inclinado sobre una tumba afina sus oídos para descifrar las cacofonías que la muerte susurra a los mortales. Así se acerca a la muerte, a lo que ya no existe. Insistir en la finitud casi produce vértigo para una sociedad que pierde la compostura ante el vestigio, el resto, las cenizas. Una presencia suspendida, un cadáver del ser.
Ya en el video Ceremonia, el artista camina por un bosque de noche, sosteniendo con dificultad una llama entre árboles y arbustos. Las espinas tocan su cuerpo y sus pies. Un ritual de sacrificio, una tarea ardua, larga y frustrante para llegar hasta el final. No es un desafío fácil, sin embargo, tiene que hacerse. Es preciso atravesar el paisaje.
Según Byung-Chul Han, Eros, el amor, nos salva. Han escribe: ≪El amor se convierte en una estrategia para sobrevivir. Cuando uno se pasa al otro, cuando uno es el otro, cuando uno ama olvidándose de sí mismo, mi muerte ya no existe. Quien ama no muere. El miedo desaparece≫. ¿Es posible algún alivio contra la pasividad de la muerte? ¿No sería arriesgado aceptar esa victoria frente a la muerte? ¿No es asumir la muerte en la conciencia demasiado aporético? Silvio De Gracia, en esta individual, propone una inmersión en las aguas profundas de nuestra existencia. Caminar sin miedo cerca del abismo, al fin. A través de lo simbólico que se opone al imaginario de la vida sin la muerte, el capitalismo fracasa.
Ana Montenegro
VÍCTOR GRIPPO Homenajear al hombre, humanizar el homenaje
del 22 de octubre al 11 de noviembre de 2022
del 22 de octubre al 11 de noviembre de 2022
VÍCTOR GRIPPO
HOMENAJEAR AL HOMBRE
HUMANIZAR EL HOMENAJE
En el marco del HOMENAJE A VÍCTOR GRIPPO, organizado desde la Dirección de Cultura de Junín, y mediante la invitación oficial de la curadora y directora del proyecto, Ana María Battistozzi, la galería HOTEL DADA propone una exposición enfocada en material documental de los homenajes que se han realizado con anterioridad por parte de artistas y gestores culturales de la ciudad.
La exposición, titulada HOMENAJEAR AL HOMBRE HUMANIZAR EL HOMENAJE, se propone como instancia de rescate y visibilización de los distintos homenajes “no oficiales” generados en torno a la figura de Grippo.
La muestra incluye dos experiencias significativas: el Proyecto HOMENAJE del año 2005, coordinado y concebido por los artistas Cristina Piffer y Hugo Vidal, en el contexto del Encuentro Internacional de Arte Acción INTERFERENCIAS; y el Proyecto ENGRIPPADOS, presentado en el año 2012 por el grupo juninense ECOLECTIVO.
Desde un punto de vista conceptual, la recuperación y exhibición de estas propuestas se inscribe en un ejercicio afectivo de la memoria y el homenaje.
La galería HOTEL DADA invita a homenajear al hombre y humanizar el homenaje. Por un lado, homenajear al hombre implica dar luz a los documentos que testimonian diversas estrategias artísticas que se han orientado al reconocimiento y valoración de Víctor Grippo. Por otro lado, el intento de humanizar el homenaje diagrama su sentido en la búsqueda de una revinculación auténtica y afectuosa entre el artista y su comunidad.
Silvio De Gracia
VÍCTOR GRIPPO
HOMENAJEAR AL HOMBRE
HUMANIZAR EL HOMENAJE
Curaduría: Silvio De Gracia
Concepto visual y diseño de montaje: Ana Montenegro
En exhibición:
Proyecto HOMENAJE Cristina Piffer – Hugo Vidal
enGrippados Grupo ECOLECTIVO
HOMENAJEAR AL HOMBRE
HUMANIZAR EL HOMENAJE
En el marco del HOMENAJE A VÍCTOR GRIPPO, organizado desde la Dirección de Cultura de Junín, y mediante la invitación oficial de la curadora y directora del proyecto, Ana María Battistozzi, la galería HOTEL DADA propone una exposición enfocada en material documental de los homenajes que se han realizado con anterioridad por parte de artistas y gestores culturales de la ciudad.
La exposición, titulada HOMENAJEAR AL HOMBRE HUMANIZAR EL HOMENAJE, se propone como instancia de rescate y visibilización de los distintos homenajes “no oficiales” generados en torno a la figura de Grippo.
La muestra incluye dos experiencias significativas: el Proyecto HOMENAJE del año 2005, coordinado y concebido por los artistas Cristina Piffer y Hugo Vidal, en el contexto del Encuentro Internacional de Arte Acción INTERFERENCIAS; y el Proyecto ENGRIPPADOS, presentado en el año 2012 por el grupo juninense ECOLECTIVO.
Desde un punto de vista conceptual, la recuperación y exhibición de estas propuestas se inscribe en un ejercicio afectivo de la memoria y el homenaje.
La galería HOTEL DADA invita a homenajear al hombre y humanizar el homenaje. Por un lado, homenajear al hombre implica dar luz a los documentos que testimonian diversas estrategias artísticas que se han orientado al reconocimiento y valoración de Víctor Grippo. Por otro lado, el intento de humanizar el homenaje diagrama su sentido en la búsqueda de una revinculación auténtica y afectuosa entre el artista y su comunidad.
Silvio De Gracia
VÍCTOR GRIPPO
HOMENAJEAR AL HOMBRE
HUMANIZAR EL HOMENAJE
Curaduría: Silvio De Gracia
Concepto visual y diseño de montaje: Ana Montenegro
En exhibición:
Proyecto HOMENAJE Cristina Piffer – Hugo Vidal
enGrippados Grupo ECOLECTIVO
JOHN HELD JR. Puncturing the pandemic: An exhibition of perforated works
del 16 de septiembre al 15 de octubre de 2022
del 16 de septiembre al 15 de octubre de 2022
JOHN HELD, JR
PUNCTURING THE PANDEMIC
UNA PUNTUACIÓN PERSONAL DE LA HISTORIA DEL ARTE CORREO
Las obras exhibidas en Puncturing the Pandemic integran una serie de poco más de 300 trabajos, que lleva por título Pandemic Perforation Portfolio [Portfolio de Perforación Pandémica]. La serie completa, desarrollada a partir de 2021, tiene su génesis en el traumático apagamiento de la vida suscitado por la pandemia del Covid-19, y su elaboración debe entenderse como una estrategia que el artista correo John Held Jr emplea para lidiar con una cotidianidad marcada por el aislamiento y el repliegue. Encapsulado en su hogar, el artista resuelve ocuparse en un ejercicio de exploración y revisión de su historia personal en el campo del arte correo, seleccionando imágenes de su archivo que le permiten dar cuenta de su activa vida pre-pandémica. Las imágenes son intervenidas y resignificadas a partir de la técnica de la perforación, procedimiento que ha caracterizado fuertemente la presencia de John Held Jr en la red de artistas correo durante toda su trayectoria. Al tiempo que trabaja en las imágenes, el artista compone un libro, Authentik & Historikal: A Mail Art Memoir, construido a partir del rescate de párrafos de textos pasados: ensayos, diarios, entrevistas, líneas de tiempo y biografía. La doble operación deviene en una serie excepcional de retratos, imagen y texto, que funciona tanto como reflejo de su itinerario personal como del propio devenir del movimiento del arte correo.
En cada imagen, acompañada por un texto explicativo, John Held Jr. nos informa y atrae nuestra atención sobre aquellos momentos, obras y artistas que lo han impresionado e inspirado. Así, en el recorte de 40 obras presentadas en HOTEL DADA, se encuentran homenajes a Ray Johnson, a la pionera del arte feminista May Wilson, al iniciador de los congresos de arte correo, el suizo H.R. Fricker, al artista Gutai Shozo Shimamoto, al mailartista belga Guy Bleus, al movimiento Fluxus, a los mailartistas rusos Serge Segay y Rea Nikonova, entre otros. Destaca la presencia de los latinoamericanos Clemente Padín y Guillermo Deisler, con quienes Held ha tenido un largo contacto signado por la amistad y la admiración. En el texto que refiere a Deisler comenta: “luchadores de la libertad como Deisler inspiraron a otros en el arte correo, incluido yo mismo, para pensar la actividad teniendo resonancia social, así como intenciones culturales”.
La técnica usada en Puncturing the Pandemic es la perforación. Las estampas perforadas de John Held Jr son célebres en el circuito de arte correo. Pero esta vez, como él mismo explica, consigue un desplazamiento más allá de los procedimientos acostumbrados en la producción de sellos de artistas, que recuerda el blotter acid art1, con sus cuadrados bien ejecutados que conforman una cuadrícula que enmarca y perfora la imagen. Las perforaciones funcionan como contrapunto de las puntuaciones escritas, permitiendo la apropiación y señalización de las imágenes para apuntalar una crónica privilegiada de la historia del arte correo.
Vinculado tempranamente en su práctica con artistas latinoamericanos como Deisler, Padín, Vigo o Graciela Gutiérrez Marx, John Held Jr es quizá el único mailartista norteamericano que ha comprendido y profundizado en la esencia del arte correo desarrollado en la región, aprehendiendo parte de su espíritu revolucionario y compromiso político. Practicante del “Tourism”, según lo promoviera H.R. Fricker, realizó una gira por Latinoamérica en 1991, que lo llevó a Chile, Argentina y Uruguay. Más de 30 años después, regresa a la Argentina invitado por HOTEL DADA para participar de su Congreso Descentralizado de Arte Correo, junto a referentes latinoamericanos como Clemente Padín y Paulo Bruscky.
Artista, escritor, activo participante en los campos del arte de sellos de goma, fanzines y artistamps, John Held Jr es uno de los más relevantes y respetados promotores e historiadores del arte correo. Su actitud creativa es tanto estética como ética, y por sobre todo expresa su opción por un arte de la comunicación a distancia, como lo postulaba Edgardo Antonio Vigo, que no excluye la propia presencia física del artista.
En tanto que dispositivos de memoria, sus perforaciones pandémicas representan una apuesta lúcida y sensible, en un mundo que privilegia la instantaneidad y el aceleramiento, condenando a sus márgenes a los defensores de los recuerdos y las utopías.
Silvio De Gracia, 31 de agosto de 2022.
1 Arte secante de LSD. Una solución líquida de la droga se aplica al papel secante, que normalmente está perforado en dosis individuales y artísticamente decorado, también conocido como arte de secante de LSD.
PUNCTURING THE PANDEMIC
UNA PUNTUACIÓN PERSONAL DE LA HISTORIA DEL ARTE CORREO
Las obras exhibidas en Puncturing the Pandemic integran una serie de poco más de 300 trabajos, que lleva por título Pandemic Perforation Portfolio [Portfolio de Perforación Pandémica]. La serie completa, desarrollada a partir de 2021, tiene su génesis en el traumático apagamiento de la vida suscitado por la pandemia del Covid-19, y su elaboración debe entenderse como una estrategia que el artista correo John Held Jr emplea para lidiar con una cotidianidad marcada por el aislamiento y el repliegue. Encapsulado en su hogar, el artista resuelve ocuparse en un ejercicio de exploración y revisión de su historia personal en el campo del arte correo, seleccionando imágenes de su archivo que le permiten dar cuenta de su activa vida pre-pandémica. Las imágenes son intervenidas y resignificadas a partir de la técnica de la perforación, procedimiento que ha caracterizado fuertemente la presencia de John Held Jr en la red de artistas correo durante toda su trayectoria. Al tiempo que trabaja en las imágenes, el artista compone un libro, Authentik & Historikal: A Mail Art Memoir, construido a partir del rescate de párrafos de textos pasados: ensayos, diarios, entrevistas, líneas de tiempo y biografía. La doble operación deviene en una serie excepcional de retratos, imagen y texto, que funciona tanto como reflejo de su itinerario personal como del propio devenir del movimiento del arte correo.
En cada imagen, acompañada por un texto explicativo, John Held Jr. nos informa y atrae nuestra atención sobre aquellos momentos, obras y artistas que lo han impresionado e inspirado. Así, en el recorte de 40 obras presentadas en HOTEL DADA, se encuentran homenajes a Ray Johnson, a la pionera del arte feminista May Wilson, al iniciador de los congresos de arte correo, el suizo H.R. Fricker, al artista Gutai Shozo Shimamoto, al mailartista belga Guy Bleus, al movimiento Fluxus, a los mailartistas rusos Serge Segay y Rea Nikonova, entre otros. Destaca la presencia de los latinoamericanos Clemente Padín y Guillermo Deisler, con quienes Held ha tenido un largo contacto signado por la amistad y la admiración. En el texto que refiere a Deisler comenta: “luchadores de la libertad como Deisler inspiraron a otros en el arte correo, incluido yo mismo, para pensar la actividad teniendo resonancia social, así como intenciones culturales”.
La técnica usada en Puncturing the Pandemic es la perforación. Las estampas perforadas de John Held Jr son célebres en el circuito de arte correo. Pero esta vez, como él mismo explica, consigue un desplazamiento más allá de los procedimientos acostumbrados en la producción de sellos de artistas, que recuerda el blotter acid art1, con sus cuadrados bien ejecutados que conforman una cuadrícula que enmarca y perfora la imagen. Las perforaciones funcionan como contrapunto de las puntuaciones escritas, permitiendo la apropiación y señalización de las imágenes para apuntalar una crónica privilegiada de la historia del arte correo.
Vinculado tempranamente en su práctica con artistas latinoamericanos como Deisler, Padín, Vigo o Graciela Gutiérrez Marx, John Held Jr es quizá el único mailartista norteamericano que ha comprendido y profundizado en la esencia del arte correo desarrollado en la región, aprehendiendo parte de su espíritu revolucionario y compromiso político. Practicante del “Tourism”, según lo promoviera H.R. Fricker, realizó una gira por Latinoamérica en 1991, que lo llevó a Chile, Argentina y Uruguay. Más de 30 años después, regresa a la Argentina invitado por HOTEL DADA para participar de su Congreso Descentralizado de Arte Correo, junto a referentes latinoamericanos como Clemente Padín y Paulo Bruscky.
Artista, escritor, activo participante en los campos del arte de sellos de goma, fanzines y artistamps, John Held Jr es uno de los más relevantes y respetados promotores e historiadores del arte correo. Su actitud creativa es tanto estética como ética, y por sobre todo expresa su opción por un arte de la comunicación a distancia, como lo postulaba Edgardo Antonio Vigo, que no excluye la propia presencia física del artista.
En tanto que dispositivos de memoria, sus perforaciones pandémicas representan una apuesta lúcida y sensible, en un mundo que privilegia la instantaneidad y el aceleramiento, condenando a sus márgenes a los defensores de los recuerdos y las utopías.
Silvio De Gracia, 31 de agosto de 2022.
1 Arte secante de LSD. Una solución líquida de la droga se aplica al papel secante, que normalmente está perforado en dosis individuales y artísticamente decorado, también conocido como arte de secante de LSD.
ANA MONTENEGRO Piel y pelo
del 5 de agosto al 3 de septiembre de 2022
del 5 de agosto al 3 de septiembre de 2022
ANA MONTENEGRO: PIEL Y PELO
Mediaciones poéticas de un cuerpo en resistencia
Una de las notas sobresalientes del trabajo de Ana Montenegro es la intermedialidad. Su lenguaje esencial es la performance, pero desde esta matriz productiva ella opera desplazamientos y cruces que se ajustan perfectamente a la propuesta de los intermedia del Fluxus Art, elaborados por Dick Higgins, a mediados de los años 60. En todas sus propuestas, ya sean acciones, performances para cámara o poemas visuales, evidencia un marcado carácter intersemiótico, lo que la vincula directamente con los planteos del movimiento conceptualista.
En Piel y pelo, la artista proyecta su mirada crítica de la sociedad patriarcal y las distintas formas de violencia que se infligen a las mujeres. Pero lo hace desde un posicionamiento conceptual que busca el desamarre de otras narrativas ya frecuentadas, descentrando registros usuales y haciendo pulsar sentidos que nos incomodan y nos afectan desde las intensidades del cuerpo y la palabra. Sus obras se configuran en la intersección de lo corporal y lo escrito, en una zona fronteriza donde lo performático y lo escritural se encuentran y se interpenetran. Dos procedimientos que definen fuertemente la práctica de la artista la asisten en sus investigaciones: la apropiación y el desvío.
La apropiación en Ana Montenegro no es sólo un método, sino esencialmente un dispositivo conceptual en sí mismo, que le permite anudar significados que ultrapasan toda forma de normatividad. Así, en la serie Phallus, realizada en colaboración con la fotógrafa y cineasta Barbara Cunha, las cuatro imágenes que la componen replican simbólicamente al poder objetualizador del macho, en un ejercicio de posesión y de apropiación de los atributos estereotipados de la masculinidad. En dos de las fotografías, la artista sugiere la apropiación del vello masculino, provocando un desajuste de género, mediante la simple superposición de un papel de calco sobre su rostro y pecho. En el primer caso, ha diseñado sobre el papel bigote y barba; en el segundo, ha reproducido la pelambre de un pecho de hombre. En las dos fotografías que completan la serie la estrategia se exacerba, al presentar imágenes donde se alude a una apropiación de la energía fálica. En una de ellas, el falo es sobrepuesto sobre el pubis de la artista a través del dibujo de un triángulo, cuyo vértice apunta hacia arriba; en la otra, se lo presenta metamorfoseado como una flor de la que emerge un pequeño pistilo. En un registro semejante se inscribe la performance titulada La soledad áspera, donde la artista ejecuta una pieza sonora con un serrote musical, basada en una partitura compuesta por el músico Wilson Sukorski. La forma de tocar el instrumento, con su ubicación entre las piernas, y la modulación del sonido por la tensión y la curvatura de la sierra a partir de la presión de la mano, evoca una figura fálica y las evoluciones de un ritual onanista. Como en Phallus, se opera un desplazamiento deconstructivo, donde la identidad sexual y las convenciones de género se dinamitan; el paisaje sonoro hipnótico, con sonidos repetitivos y perturbadores, instala una gramática divergente en la que la figura del macho deviene presencia fragmentaria y objetualizada. En diálogo con estas dos piezas, hay que entender Piel y pelo, el dibujo de una vagina enmarcada que ocupa en solitario toda una pared. El sexo se muestra a la vez real y abstracto, en parte mancha ominosa, en parte carnadura natural. Lo que está llamado a inquietar es la exuberancia del vello púbico; es aqui donde se juega el sentido crítico de la obra; el pelo liberado apuntala un contradiscurso reivindicatorio frente a las imposiciones de los criterios hegemónicos de belleza.
La otra estrategia con la que Ana Montenegro diagrama sus propuestas es el desvío. En el libro A mosca Textos intraducidos, elaborado en colaboración con el poeta catalán Ferran Destemple. la artista no escribe una sola palabra original. En realidad, no escribe nada, sino que se apodera de textos literarios para producir textos-collages, a partir de mecanismos de apropiación y montaje. La radicalidad de su propuesta se manifiesta en una literatura sin escritura propia. Frases y segmentos enteros de escritura ajena son robados y utilizados para crear nuevas composiciones que, paradojalmente, sostienen un decir propio. El mismo procedimiento se reitera en Reproducción prohibida, un video donde la artista aparece de espaldas, frente a una pared blanca, mientras se reproduce una narración en off sobre la posible imagen frontal de su cuerpo. El texto que se lee (en la misma voz de la artista) está compuesto desde la manipulación y desvío de fragmentos que forman parte de su repertorio de lecturas. En lugar de describirse con sus propias palabras, la artista insiste en el saqueo y el collage literario, la fragmentación y el reencuadre. En consecuencia, en ambos casos, en el libro y en el video, se traviste en escritora, produciendo piezas literarias inéditas a partir de materiales ajenos. Pero además, Reproducción prohibida nos habla, a partir de la trama poética que urde entre el texto y las imágenes mentales evocadas, acerca de las construcciones ficcionales sobre el cuerpo del otro, especialmente sobre el cuerpo femenino. Ambas proposiciones se sitúan dentro del campo de la poesía experimental, un territorio donde el cruce de lo visual y lo verbal se resuelven en formas híbridas que la artista viene explorando desde hace tiempo. Pero la incursión en la poesía experimental, específicamente de influencia concretista, se manifiesta con mayor fuerza en la serie titulada Poemas Anacíclicos, poemas que se componen a partir de la cualidad palíndroma del propio nombre de la artista. Las variaciones que se ofrecen a la mirada no solo explotan visualmente las posibilidades del nombre, Ana, sino que funcionan como un ejercicio de afirmación de la propia identidad.
Finalmente, el video El grito, una singular versión de la partitura Danger Music N°7 de Dick Higgins, grafica con crudeza la violencia contra la mujer en la sociedad contemporánea. Una vez más el desvío, en este caso de una escena icónica del filme Psicosis de Alfred Hitchcock, la secuencia del apuñalamiento en la ducha, proyectada en un celular y sobrepuesta a la boca de la artista, da voz en el grito de la actriz a todas las mujeres exterminadas por el sistema patriarcal. La artista, Ana Montenegro, no grita, sino que el grito parte de la ficción, pero este grito ficcional nos afecta intensamente en la dispersión de sentidos que trafica, a partir de su amarre en una estetización casi pornográfica de la muerte.
Con Piel y pelo, Ana Montenegro profundiza en su exploración poético-conceptual de las asperezas del cuerpo y la palabra. En su búsqueda estética por un decir inapelable, se prodiga en formas de mediación poética que incluyen el cuerpo, la escritura, lo sonoro, lo verbal y lo visual. En tanto lucha por desmarcarse de los territorios ya muy transitados, logra concebir una obra atípica que insiste en la dureza de sus interpelaciones, pero sin sacrificar una poética que torna sus significados más amplios y más sutiles a la hora de consumar la afectación crítica del espectador.
Silvio De Gracia, 23 de julio de 2022.
VALORES NACIONALES Poesía Visual Argentina
del 3 de junio al 22 de julio de 2022
del 3 de junio al 22 de julio de 2022
VALORES NACIONALES EN LA CONSOLIDACIÓN DEL MOVIMIENTO POÉTICO-VISUAL ARGENTINO
Silvio De Gracia
A contracorriente de lo sucedido en otras latitudes, tales los casos del concretismo brasileño o la poesía visiva italiana, en la Argentina el trabajo con las poéticas visuales experimentales ha permanecido durante mucho tiempo en una zona de opacidad crítica, relegado a posiciones marginales o subalternas en los relatos institucionalizados del arte local. La ausencia de una tradición fuerte y la deriva en iniciativas atomizadas y discontinuadas no ha contribuido en nada a la legitimación de estas prácticas. En verdad, aunque resulte una afirmación polémica, es solo en años recientes que podemos vislumbrar que comienza a consolidarse como tal un movimiento de poesía visual argentina.
Todo movimiento se legitima desde su autopercepción, desde su propia conciencia histórica, y desde las estrategias que lo insertan decisivamente en una determinada escena. En el año 2016, fecha crucial, se concretan dos realizaciones que delimitan un nuevo escenario crítico favorable para la práctica poética experimental argentina, y que marcan una línea de despegue en la configuración de un relato coherente y una cartografía posible: la publicación de El Punto Ciego, de Perednik, Doctorovich y Estévez, volumen indispensable y fundacional para el estudio historiográfico de las prácticas poético-visuales en nuestro país, y la presentación de la muestra Poéticas Oblicuas Modos de contraescritura y torsiones fonéticas en la poesía experimental (1956-2016), que reúne por primera vez a los mayores referentes de la poesía experimental argentina en una exhibición de largo alcance. Con la aparición de El Punto Ciego, se materializa uno de los intentos bibliográficos más sólidos y connotados en torno a la poesía experimental argentina, con notorios aportes teóricos y abundante documentación visual. Por su exhaustividad y amplitud, el relato que se desprende del volumen viene a suplir los vacíos y las ausencias que deslegitimaban a otras apuestas editoriales precedentes. Por su parte, la exhibición Poéticas oblicuas ensaya por primera vez el trazado de una vasta cartografía de las prácticas poéticas experimentales en el país, lo que incide directamente en el apuntalamiento de un proceso de validación crítica inédito. Sobre la huella de estas dos proposiciones, se desenvuelven nuevos itinerarios editoriales, expositivos y teóricos que se direccionan a revertir la condición periférica asignada al experimentalismo poético argentino.
En 2020, se funda HOTEL DADA, galería especializada en arte correo y poesía experimental que, con un enfoque histórico y actual, busca dar visibilidad a una serie de artistas vinculados a los distintos géneros del arte correo y la exploración del lenguaje poético en sus múltiples posibilidades. Con el antecedente de la muestra LA POESÍA EN LA BOCA Exhibición Internacional de Mascarillas de Poesía Visual en 2020, la galería presenta ahora, en 2022, la exposición VALORES NACIONALES Poesía Visual Argentina, con la que se pretende trazar un mapeo de intenso corte federal, dando visibilidad a las prácticas poético-visuales registradas en diversos puntos del país, en contraposición a otras propuestas excluyentes, circunscriptas a una centralidad hegemonizante.
El grupo de poetas visuales presentado en VALORES NACIONALES responde a un enfoque curatorial que rescata y valoriza el hacer sostenido de una práctica, descartando a aquellos operadores visuales que registran un vínculo volátil y descomprometido con la poesía visual. La selección se constituye desde un posicionamiento teórico que instala sus sentidos desde una doble operación táctica: por un lado, procura el desamarre de otras narrativas autocomplacientes; por otro, apunta a la construcción de una mirada histórica y crítica que contribuya a la legitimación de una escena. La frase valores nacionales, aún en su posibilidad auto-irónica, ligada esencialmente a lo patriótico, intenta señalar que la presente exhibición no se articula como una simple reunión azarosa de poetas, sino como una constelación sólida y representativa de lo que hoy se produce en el panorama de la poesía visual argentina.
Adentrarse y detenerse en el entramado visual de VALORES NACIONALES, es asomarse a una cartografía actual de las formas de expansión del lenguaje poético en Argentina. El recorte muestra a un grupo de artistas que oscila en una zona híbrida situada entre la poesía y las artes visuales. Más allá de exhibir un conjunto de obras, la exhibición deja expuesto el problema de la inscripción de estas prácticas: ¿pertenecen al campo del arte o de la literatura?
Desarrollada en y desde los márgenes, relegada a una existencia intersticial en las narrativas del arte y excluida del canon literario, la poesía visual argentina es una realidad que se adensa y expande en sus realizaciones, pero que adolece de una conceptualización crítica que la singularice.
VALORES NACIONALES se propone no sólo como instancia expositiva, sino como espacio de reflexión y posicionamiento. Aunque visibilizada en forma creciente en los circuitos del arte, la poesía visual/experimental argentina permanece en una condición periférica dentro de la historia de la poesía nacional. VALORES NACIONALES juega su espesor crítico en la presentación de la poesía visual como una ampliación de los universos poéticos, como un cuestionamiento radical de la poesía en sus formas tradicionales, y, en definitiva, como una apuesta por el ejercicio subversivo de la poesía como forma de libertad.
Fragmentos del texto curatorial
Silvio De Gracia, Junín, 24 de mayo de 2022.
Silvio De Gracia
A contracorriente de lo sucedido en otras latitudes, tales los casos del concretismo brasileño o la poesía visiva italiana, en la Argentina el trabajo con las poéticas visuales experimentales ha permanecido durante mucho tiempo en una zona de opacidad crítica, relegado a posiciones marginales o subalternas en los relatos institucionalizados del arte local. La ausencia de una tradición fuerte y la deriva en iniciativas atomizadas y discontinuadas no ha contribuido en nada a la legitimación de estas prácticas. En verdad, aunque resulte una afirmación polémica, es solo en años recientes que podemos vislumbrar que comienza a consolidarse como tal un movimiento de poesía visual argentina.
Todo movimiento se legitima desde su autopercepción, desde su propia conciencia histórica, y desde las estrategias que lo insertan decisivamente en una determinada escena. En el año 2016, fecha crucial, se concretan dos realizaciones que delimitan un nuevo escenario crítico favorable para la práctica poética experimental argentina, y que marcan una línea de despegue en la configuración de un relato coherente y una cartografía posible: la publicación de El Punto Ciego, de Perednik, Doctorovich y Estévez, volumen indispensable y fundacional para el estudio historiográfico de las prácticas poético-visuales en nuestro país, y la presentación de la muestra Poéticas Oblicuas Modos de contraescritura y torsiones fonéticas en la poesía experimental (1956-2016), que reúne por primera vez a los mayores referentes de la poesía experimental argentina en una exhibición de largo alcance. Con la aparición de El Punto Ciego, se materializa uno de los intentos bibliográficos más sólidos y connotados en torno a la poesía experimental argentina, con notorios aportes teóricos y abundante documentación visual. Por su exhaustividad y amplitud, el relato que se desprende del volumen viene a suplir los vacíos y las ausencias que deslegitimaban a otras apuestas editoriales precedentes. Por su parte, la exhibición Poéticas oblicuas ensaya por primera vez el trazado de una vasta cartografía de las prácticas poéticas experimentales en el país, lo que incide directamente en el apuntalamiento de un proceso de validación crítica inédito. Sobre la huella de estas dos proposiciones, se desenvuelven nuevos itinerarios editoriales, expositivos y teóricos que se direccionan a revertir la condición periférica asignada al experimentalismo poético argentino.
En 2020, se funda HOTEL DADA, galería especializada en arte correo y poesía experimental que, con un enfoque histórico y actual, busca dar visibilidad a una serie de artistas vinculados a los distintos géneros del arte correo y la exploración del lenguaje poético en sus múltiples posibilidades. Con el antecedente de la muestra LA POESÍA EN LA BOCA Exhibición Internacional de Mascarillas de Poesía Visual en 2020, la galería presenta ahora, en 2022, la exposición VALORES NACIONALES Poesía Visual Argentina, con la que se pretende trazar un mapeo de intenso corte federal, dando visibilidad a las prácticas poético-visuales registradas en diversos puntos del país, en contraposición a otras propuestas excluyentes, circunscriptas a una centralidad hegemonizante.
El grupo de poetas visuales presentado en VALORES NACIONALES responde a un enfoque curatorial que rescata y valoriza el hacer sostenido de una práctica, descartando a aquellos operadores visuales que registran un vínculo volátil y descomprometido con la poesía visual. La selección se constituye desde un posicionamiento teórico que instala sus sentidos desde una doble operación táctica: por un lado, procura el desamarre de otras narrativas autocomplacientes; por otro, apunta a la construcción de una mirada histórica y crítica que contribuya a la legitimación de una escena. La frase valores nacionales, aún en su posibilidad auto-irónica, ligada esencialmente a lo patriótico, intenta señalar que la presente exhibición no se articula como una simple reunión azarosa de poetas, sino como una constelación sólida y representativa de lo que hoy se produce en el panorama de la poesía visual argentina.
Adentrarse y detenerse en el entramado visual de VALORES NACIONALES, es asomarse a una cartografía actual de las formas de expansión del lenguaje poético en Argentina. El recorte muestra a un grupo de artistas que oscila en una zona híbrida situada entre la poesía y las artes visuales. Más allá de exhibir un conjunto de obras, la exhibición deja expuesto el problema de la inscripción de estas prácticas: ¿pertenecen al campo del arte o de la literatura?
Desarrollada en y desde los márgenes, relegada a una existencia intersticial en las narrativas del arte y excluida del canon literario, la poesía visual argentina es una realidad que se adensa y expande en sus realizaciones, pero que adolece de una conceptualización crítica que la singularice.
VALORES NACIONALES se propone no sólo como instancia expositiva, sino como espacio de reflexión y posicionamiento. Aunque visibilizada en forma creciente en los circuitos del arte, la poesía visual/experimental argentina permanece en una condición periférica dentro de la historia de la poesía nacional. VALORES NACIONALES juega su espesor crítico en la presentación de la poesía visual como una ampliación de los universos poéticos, como un cuestionamiento radical de la poesía en sus formas tradicionales, y, en definitiva, como una apuesta por el ejercicio subversivo de la poesía como forma de libertad.
Fragmentos del texto curatorial
Silvio De Gracia, Junín, 24 de mayo de 2022.
RUGGERO MAGGI El proyecto es el arte
del 17 de marzo al 20 de mayo de 2022
del 17 de marzo al 20 de mayo de 2022
RUGGERO MAGGI: EL PROYECTO ES EL ARTE
Utopía y poesía desde la matriz del arte correo
En un mundo donde ya no queda lugar para las utopías, las prácticas y valores del arte correo persisten como una incombustible reserva de idealismo y compromiso ético. A 60 años de la creación de la Escuela de Correspondencia de Nueva York de Ray Johnson, el arte correo continúa oponiéndose a los mecanismos del mercado artístico y a las docilidades del arte institucional, al tiempo que trafica un discurso de intensa raíz humanitaria que se contrapone a toda forma de injusticia y atropello a la dignidad del hombre.
La obra de Ruggero Maggi se inscribe notablemente en esta vía utópica que el arte correo propone, pero va más allá y la trasciende con un sentido humanista signado por un profundo sentimiento moral hacia la naturaleza y sus posibilidades. Ya desde 1979, cuando visitara la amazonia peruana, Maggi comienza a concebir un cuerpo de obra que se liga indisolublemente a la lucha por la preservación ambiental, y que decantará en aquellos años en la conformación de su histórico Archivo Amazon.
En pleno contexto post-ecológico, hoy la defensa ambiental se confunde y se superpone con la propia conservación de la existencia humana. Maggi, a la vez que se preocupa por la destrucción de la naturaleza, se interesa por las tragedias del hombre. Desde 1985, cuando iniciara el Hiroshima Shadow Project, para recordar a las víctimas vaporizadas por la bomba atómica, su espíritu activista se ha desplegado en varios proyectos enfocados en los dramas actuales de la humanidad. Dos de sus propuestas más relevantes en este campo han sido los proyectos Tibet Pavilion y Burma Pavilion. El primero tuvo como objetivo sensibilizar sobre la situación histórica de opresión en el Tíbet, y fue presentado en varias ediciones a partir de 2011 paralelamente a la Bienal de Venecia. El segundo, Burma Pavilion, de 2021, se basa en la misma vocación por intervenir críticamente sobre la realidad, planteando una exposición colectiva orientada a llamar la atención sobre el golpe de estado en Myanmar y el violentamiento de la democracia y los derechos humanos por parte de un brutal régimen militar. Este tipo de proposiciones, concebidas desde una sólida postura ética, revelan esa dimensión humanista en que el artista se sitúa, y desde donde afirma que el proyecto es el arte. Proyecto que no es individualista y acrítico, sino colaborativo, solidario y siempre identificado con las reivindicaciones más urgentes y preocupantes de su contexto.
Maggi se sirve de las más variadas técnicas y medios para dar cauce a sus inquietudes e investigaciones: la poesía visual, los libros de artista, el copy art, el arte correo, el láser, la holografía, el neón, el video, y el arte caótico basado en la teoría del caos. Artista outsider e inclasificable, combina de un modo singular –como ya lo ha observado Pierre Restany- “elementos de alta tecnología con materiales primarios y elementales, primitivismo con sofisticación". Así, junto a los tubos de neón, el plexiglás o el láser, el artista encuentra en la piedra, la madera o la tierra recursos inestimables en su búsqueda creativa. Sus estrategias, en todos los casos, inciden en la configuración de un discurso crítico que se propaga por igual por espacios alternativos e institucionales.
A contracorriente de expresiones artísticas complacientes y mercantilizadas, el arte de Ruggero Maggi puede reivindicarse como una forma de arte en resistencia, expresión de una verídica apuesta contrahegemónica, donde se intersectan lo estético y lo político. Sus múltiples propuestas y proyectos lo consagran como una de las figuras referenciales del arte correo a nivel global, encarnando una opción utópica y poética excepcional en un mundo sobrecogido desde hace tiempo por el peso de las más oscuras distopías.
Silvio De Gracia, 28 de febrero de 2022.
Utopía y poesía desde la matriz del arte correo
En un mundo donde ya no queda lugar para las utopías, las prácticas y valores del arte correo persisten como una incombustible reserva de idealismo y compromiso ético. A 60 años de la creación de la Escuela de Correspondencia de Nueva York de Ray Johnson, el arte correo continúa oponiéndose a los mecanismos del mercado artístico y a las docilidades del arte institucional, al tiempo que trafica un discurso de intensa raíz humanitaria que se contrapone a toda forma de injusticia y atropello a la dignidad del hombre.
La obra de Ruggero Maggi se inscribe notablemente en esta vía utópica que el arte correo propone, pero va más allá y la trasciende con un sentido humanista signado por un profundo sentimiento moral hacia la naturaleza y sus posibilidades. Ya desde 1979, cuando visitara la amazonia peruana, Maggi comienza a concebir un cuerpo de obra que se liga indisolublemente a la lucha por la preservación ambiental, y que decantará en aquellos años en la conformación de su histórico Archivo Amazon.
En pleno contexto post-ecológico, hoy la defensa ambiental se confunde y se superpone con la propia conservación de la existencia humana. Maggi, a la vez que se preocupa por la destrucción de la naturaleza, se interesa por las tragedias del hombre. Desde 1985, cuando iniciara el Hiroshima Shadow Project, para recordar a las víctimas vaporizadas por la bomba atómica, su espíritu activista se ha desplegado en varios proyectos enfocados en los dramas actuales de la humanidad. Dos de sus propuestas más relevantes en este campo han sido los proyectos Tibet Pavilion y Burma Pavilion. El primero tuvo como objetivo sensibilizar sobre la situación histórica de opresión en el Tíbet, y fue presentado en varias ediciones a partir de 2011 paralelamente a la Bienal de Venecia. El segundo, Burma Pavilion, de 2021, se basa en la misma vocación por intervenir críticamente sobre la realidad, planteando una exposición colectiva orientada a llamar la atención sobre el golpe de estado en Myanmar y el violentamiento de la democracia y los derechos humanos por parte de un brutal régimen militar. Este tipo de proposiciones, concebidas desde una sólida postura ética, revelan esa dimensión humanista en que el artista se sitúa, y desde donde afirma que el proyecto es el arte. Proyecto que no es individualista y acrítico, sino colaborativo, solidario y siempre identificado con las reivindicaciones más urgentes y preocupantes de su contexto.
Maggi se sirve de las más variadas técnicas y medios para dar cauce a sus inquietudes e investigaciones: la poesía visual, los libros de artista, el copy art, el arte correo, el láser, la holografía, el neón, el video, y el arte caótico basado en la teoría del caos. Artista outsider e inclasificable, combina de un modo singular –como ya lo ha observado Pierre Restany- “elementos de alta tecnología con materiales primarios y elementales, primitivismo con sofisticación". Así, junto a los tubos de neón, el plexiglás o el láser, el artista encuentra en la piedra, la madera o la tierra recursos inestimables en su búsqueda creativa. Sus estrategias, en todos los casos, inciden en la configuración de un discurso crítico que se propaga por igual por espacios alternativos e institucionales.
A contracorriente de expresiones artísticas complacientes y mercantilizadas, el arte de Ruggero Maggi puede reivindicarse como una forma de arte en resistencia, expresión de una verídica apuesta contrahegemónica, donde se intersectan lo estético y lo político. Sus múltiples propuestas y proyectos lo consagran como una de las figuras referenciales del arte correo a nivel global, encarnando una opción utópica y poética excepcional en un mundo sobrecogido desde hace tiempo por el peso de las más oscuras distopías.
Silvio De Gracia, 28 de febrero de 2022.